The Last Broadcast (1998)

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Es difícil clasificar una película como The Last Broadcast (The Last Broadcast, 1998). La película parece ser una de las pioneras de lo que conocemos como Found Footage (metraje encontrado es como se acostumbra a traducir en castellano) es decir, metraje grabado generalmente en un punto de vista subjetivo (generalmente uno de los protagonistas que tiene una vista privilegiada), que tiene la intención de pasar por ser un documento real, cuando en realidad se trata de ficción.

Sin embargo, los honores no se los llevó The Last Broadcast, sino una película estrenada un año más tarde, y que se convirtió en un auténtico fenómeno viral, siendo una de las primeras películas estrenadas además por plataformas digitales (atención porque nuestra película inteligentemente anticipa también las plataformas digitales y los estrenos vía internet). Me refiero a The Blair Witch Project (El proyecto de la Bruja de Blair, 1999). Después de ver una y otra, queda bastante claro el porqué una consiguió el éxito y la otra el olvido máximo. El Proyecto de la Bruja de Blair mantiene una tensión que The Last Broadcast es incapaz de mantener, y además su propuesta es mucho más coherente. Por no hablar de la factura, donde The Last Broadcast no puede ni siquiera prestarse a comparación.

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Además, The Last Broadcast se queda a medio camino entre el Found Footage y el falso documental. La película nos presenta lo que parece un documental hecho por unos especialistas que pretenden acercar algo de luz sobre unos asesinatos sin resolver que tuvo lugar durante un misterioso programa de televisión (realidad o ficción, titulado). La película nos presenta de manera lineal los hechos ficticios de lo que teóricamente transcurrió durante aquellas fatídicas jornadas. Se utilizan pues, decenas de entrevistas a personajes que tienen algo de relación con los hechos. Pero además, y aquí es donde entra en acción el found footage citado, la película emplea gran parte del material que teóricamente los miembros de Realidad o ficción grabaron antes de ser asesinados y que los realizadores combinan, jugando con el montaje.

Así pues, el filme se queda a mitad de camino entre su innovador recurso y el falso documental.

Más allá de su propuesta, hay que decir que The Last Broadcast tiene una factura de videoaficionado, muchos escalones por debajo del Proyecto de la Bruja de Blair. Las reconstrucciones dejan mucho que desear en su factura visual, que parece realizada tal y como fue, es decir, de manera Amateur. Es cierto que en parte es la estética que buscaba la película, pero la película de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez nos demuestra que las cosas se pueden hacer mejor.

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Lo que resulta totalmente inaceptable en The Last Broadcast es su tramo final. No sólo porque resulte un giro de guión bastante mediocre, sino que lo que es peor, traiciona todo lo visto anteriormente en el filme. El Recurso del Found Footage, tan bien elaborado en la película acaba por autodestruirse en un final que no tiene ningún significado. La película abandona el propio formato que ha construido de manera inteligente, para adoptar una puesta en escena incoherente con lo que hemos visto anteriormente. De repente, la cámara deja de lado los puntos de vistas que hasta entonces iba recogiendo (los documentos visuales originales, las entrevistas a los protagonistas) para convertirse en una película que aparenta ser convencional en su dicurso (y por tanto, el punto de vista del falso documental, pretendiendo aparentar ser realidad, se convierte en ficción). Una traición en toda regla, que por ejemplo, no encontrábamos en El Proyecto de la Bruja de Blair.

Por otra parte, resulta totalmente frustrante que la película opte por una resolución tan estúpida, más cuando era bien fácil crear un discurso mucho más sugerente (ahí están las sugerencias al Demonio de Jersey, que sólo aparecen de pasada en la película). Es obvio que consigue sorprender al espectador, pero no por su originalidad, sino por una extravagancia máxima (ridículo sonrojante cuando nuestra protagonista codifica el fotograma en que se observa la identidad del asesino). The Last Broadcast decepciona sin duda en su tramo final.

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La Cueva (2014)

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Extraña historia la que acompaña a la película La Cueva (La Cueva, 2014). La película se realizó en el año 2012, y se llegó a estrenar en el festival de Sitges, donde consiguió una acogida bastante favorable. Sin embargo, como muchos otros proyectos en tiempos de crisis, el filme quedó guardado en un cajón, hasta que fue recuperado recientemente. En el 2014, el director de la película, Alfredo Montero, recupera el material original para añadirle más secuencias de metraje, grabadas y añadidas dos años después y recuperando el reparto original del filme (así como las localizaciones, que cobran un peso tan importante en la película). Se vuelve a estrenar en el festival de Málaga, donde parece que consigue resucitar de nuevo.

La Cueva se une a la moda del metraje encontrado, que inauguraron hace ya más de una década proyectos como The Witch Blair Project (El proyecto de la bruja de Blair, 1999) o The Last Broadcast (The Last Broadcast, 1998; rodada un año antes que la Bruja de Blair, sin embargo nunca ha conseguido el mismo éxito que la película del 1999). La película nos presenta  una serie de personajes que realizan unas vacaciones aparentemente tranquilas, pero que al llegar a una cueva deciden adentrarse sin tomar precauciones…La película adopta el punto de vista de uno de los personajes, que como viene siendo habitual en este tipo de filmes, decide grabarlo absolutamente todo con la cámara, aunque resulte totalmente ilógico que la mantenga encendida en muchas de las secuencias. La Cueva sigue al milímetro el plan establecido de las películas del Found Footage, rodando antes de que transcurra el desgraciado hecho la aparente intimidad de nuestros protagonistas, en actos totalmente cotidianos.  Les vemos reír, hacer comentarios jocosos…en lo que la película trata de crear un relato versemblante (que por cierto, nunca sucede).

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El Found footage acostumbra a ser un vehículo para que este tipo de películas acaben convirtiéndose en algo muy diferente al tipo de cine tradicional. Más que un relato, lo que proponen este tipo de obras es convertirse en un parque de atracciones, un tren de la bruja cinematográfico que conduzca al espectador por una serie de sentimientos preconcebidos ya en la estructura de la película. El objetivo no es tanto el desarrollo de unos personajes o hacer evolucionar una historia, sino que estas obras se acercan al parque de atracciones en cuanto a lo que pretenden es crear un recorrido de sensaciones que acabe por sacudir al espectador. La puesta en escena se convierte en un subordinado de esta premisa, y en la Cueva esta tendencia queda aún más patente que nunca. Esta tendencia de “Montaña Rusa” precisamente se liga con las características de nuestra sociedad contemporánea. La mayoría de público no busca la historia, sino el espectáculo[1], exigiendo una inmediatez de resultados emocionales durante el visionado del filme. Se demanda a la película que sea capaz de impactar al espectador en cada momento, más como si fuera un videojuego que como una película. No es banal la relación entre el videojuego y La Cueva. Creo que se pueden relacionar claramente, aunque esto no signifique que el director de la película se haya inspirado en ningún videojuego, pero sí que es cierto que responden a una misma satisfacción.

Porque nunca tenemos la certeza de estar asistiendo a una obra cinematográfica, por lo menos de manera convencional y tal y como la conocemos. Lo que propone por otra parte la estructura de la película, es ya conocida por el espectador, a quien parece no importarle que la mayoría de golpes de la película sean predecibles e inverosímiles. No importa que la historia sea totalmente irreal o que parezca estar cortada por unos patrones que hacen que sea idéntica a otras propuestas, mientras eso sí, consiga lo que el espectador demande. Como en el Parque de atracciones, la estructura de la cueva parece itinerante, pero está preconcebida totalmente de antemano.

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La Cueva tiene poco que aportar al panorama cinematográfico de terror. Incluso dentro del cine patrio, La Cueva resulta un filme totalmente prescindible (Además, como pionera ya tenemos a REC, así que tampoco podemos decir que el filme de Alfredo Montero cree ningún precedente) . Más que el terror (que también está presente) lo que potencia el filme es la sensación de claustrofobia que encontramos dado las circunstancias que presenta el propio argumento (nuestros personajes encerrados en una cueva, sin saber encontrar la salida). Seguramente esta sea la única baza potente de la película,

[1] Sin duda creo que podríamos calificar La cueva como una de las películas paradigmáticas dentro de la Teoría de Guy Debord y su Sociedad del Espectáculo.

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Anarchy: La Noche de las Bestias (2014)

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James DeMonaco retoma la saga de la Purga con The Purge: Anarchy (Anarchy: La noches de las bestias, 2014) una película que recoge el mismo argumento de la primera, aunque con distintos personajes (como es lógico, los que han visto la primera parte ya sabrán el porqué).

El Problema de Anarchy: La Noche de las bestias es que se trata de un filme muy poco sutil en el desarrollo de su trama. El argumento gira en torno a unos Estados Unidos futuros (propulsados  por unos nuevos padres fundadores), donde durante un día al año está permitido cualquier tipo de asesinato. La segunda entrega de la saga utiliza este argumento para sacar una crítica política y social, que resulta mayoritariamente burda (es cierto que en la primera película ya existía, pero aquí la crítica queda acentuada) . Servida como un plato que es abalanzado en la cara del espectador, sin que este tenga que hacer ningún esfuerzo por pensar. La iconografía de estos Nuevos Estados Unidos nos deja igualmente a medias. Algunos aspectos si resultan interesantes (la división de opiniones entre los partidarios y detractores de la purga, la estética de una ciudad sin ley) pero en otros momentos, el filme realiza un retrato bastante anodino de su urbe.

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Nuestro protagonista está interpretado por Frank Grillo, y durante toda la película seguiremos su causa de venganza, que no queda claro hasta el final de la película contra quien va dirigida. A él se le sumarán diversos personajes que sin querer se han quedado atrapados dentro de las calles, y al ser un blanco perfecto para las pandillas durante el día de la purga, buscan protección. La trama de la película es simple: La venganza por parte de nuestro protagonista, y el instinto de supervivencia del grupo, que les hará patear media ciudad huyendo de los enemigos.

También hay que decir que el final del filme realiza un cuestionable giro de guión en los intereses del personaje interpretado por Frank Grillo, quien de repente cambia su actitud al encontrarse con lo que estaba buscando. Por otra parte, Frank Grillo interpreta a un personaje arquetípico dentro del cine de acción norteamericano, el líder fuerte que siempre sabe las decisiones que hay que tomar, y que parece hecho a prueba de bombas. Poco novedoso en este sentido, y además su drama personal queda reducido a un plano totalmente secundario.

La determinación política del filme aporta sus cosas negativas y positivas. Y lo que queda claro es que no puede negarse la vía que certeramente abre Anarchy: La Noche de las bestias, (como ya han señalado varios, esta tendencia de aunar crítica con cine de fantasía comercial tiene ciertos precedentes en los años ochenta) que demuestra llevar una enorme carga crítica. El argumento ya es por sí bastante interesante, pero además el filme consigue profundizar en varios momentos. Por ejemplo, se introduce en la película una serie de pequeños detalles, que significativamente hacen referencia a la crisis económica actual, como el banquero que aparece colgado en Wall Street (la purga está tranquila en estos barrios, como comentarán los propios personajes) o los ricos que negocian por la vida de gente que no tiene para sobrevivir.

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El problema que ya comentaba, es que la película no hace pensar al espectador, entregando un mensaje totalmente digerido. Cada dos por tres escuchamos los comentarios de una organización paralela que tiene el objetivo de destruir el régimen, y sus análisis políticos parecen destinados a un grupo de pre púberes armados. De hecho hay una secuencia sonrojante en este sentido, cuando nuestros protagonistas son secuestrados por un grupo de ricachones y en el último momento son liberados por el líder de la resistencia, que tiene unos aspavientos dignos de personaje de culebrón. Los mensajes de este mismo enviados por internet ya resultaban ciertamente bochornosos.

Otro punto a favor del filme es su ambiente pesadillesco. El filme utiliza un envoltorio argumental de ciencia ficción, pero sin duda el tono está mucho más cerca del género de terror. James DeMonaco consigue darle brillantez al relato añadiendo multitud de detalles escabrosos en su guía demoníaca sobre el día de la purga.

Para muestra, tenemos la banda de criminales que persiguen en diversas ocasiones a dos de nuestros protagonistas, ataviados como auténticos monstruos. O la mujer que armada con un rifle empieza a lanzar un discurso patriótico mientras se carga a cualquiera que pase por su lado. O los ya comentados ricos que se dedican a comprar gente con problemas económicos para desahogar sus ansías de sangre.

Estética industrial, acción vigorosa, Anarchy: La Noche de las Bestias promete ser un thriller comercial con tintes políticos. Diferente a la primera entrega, aunque peor como producto final. ¿Se convertirá en una nueva franquicia?

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La Séptima víctima (1943)

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1943, Estados Unidos está en plena paranoia por la segunda guerra mundial. La RKO tiene un nuevo proyecto en manos de Val Lewton, incombustible productor donde los haya. Decide encargar un filme sobre sectas satánicas a Mark Robson, un hombre que había editado Cat People, pero que aún no había dirigido ninguna película. Este acepta el reto, y el resultado será The Seventh Victim (La séptima víctima, 1943) una obra que a pesar de no ser perfecta llegó a inspirar al mismísimo Hitchock. También es cierto que muchos autores afirman que la mano de Val Lewton se nota detrás de la propia puesta en escena del filme, mucho más que en otras de sus producciones[1].

La película es lo que consideramos como serie B. Mark Robson contó con un presupuesto bastante ajustado que repercute en la película. De hecho lo notamos en el propio montaje, que parece estar recortado por todos los lados. La película dura escasamente unos 70 minutos.

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La película nos introduce en el papel que interpreta la actriz Kim Hunter, una chica frágil y bondadosa. La película cumple a la perfección colocándonosla en los primeros minutos en una especie de institución educacional casi sacra. Ahí nuestra protagonista se entera que su hermana lleva desaparecida desde hace tiempo y decide partir en su búsqueda. Antes de marcharse, Mark Robson nos entrega una descripción perfecta del lugar donde ha vivido siempre. La citada institución rezuma paz y parece un oasis espiritual, se oyen los cantos de los niños y nada parece enturbiar el clima de tranquilidad. Para más Inri la protagonista queda encuadrada entre vidrieras que imitan el gótico, como si fuera una santa.

Todo lo contrario sucederá cuando nuestra protagonista viaje a Nueva York para encontrar a su hermana. En realidad, uno de los ejes de la película es destapar el entramado de enfermedad que late debajo de las grandes metrópolis. La segunda guerra mundial nunca aparece mencionada, pero sin duda se respira un clima nauseabundo en muchas de las secuencias del filme, que provienen del hastiado clima bélico. Nadie parece recordarse de su hermana, nadie la ha visto y nadie trata de ayudar a nuestra tranquila protagonista.

El desarrollo de la película tirará entonces por los caminos del cine negro. Nuestra protagonista se pondrá en búsqueda de su hermana con la ayuda de algún que otro personaje masculino (de hecho aparece un investigador privado en la película, personaje ineludible dentro del cine negro, aunque acaba siendo víctima en no mucho tardar) y la Séptima víctima recoge entonces el tono de investigación habitual que existe en el cine negro. Más que cine de terror, lo que la película propone es una serie de situaciones negras que en muchos momentos o mantienen una atmósfera terrorífica o  que acaban siendo resueltos por elementos del cine de terror.

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Porque por el medio del filme se destapa que nuestra protagonista había ingresado en una extraña secta, llamada de los Paladianos, donde se adora al mismísimo Satán. Pero a diferencia de la explicitud de directores como Jacques Torneur, recordemos Night of The Demon (La noche del demonio, 1957), Mark Robson difumina bastantes la secta de adoradores del diablo. No tienen nombre y apellidos (podrían ser cualquiera de los que deambula por la ciudad), ni tampoco se nos da muchas pistas de sus métodos de acción. Como gran parte del cine producido por Val Lewton, su nombre queda oculto en la sombra.

Aún así, la tijera se nota en exceso en La Séptima víctima. La trama se acaba desarrollando de una manera confusa, y en ocasiones entran y salen protagonistas del hilo principal, sin que se sepa muy bien el porqué. Con media hora más de metraje, seguramente la película habría ganado enteros.

Sin duda alguna, lo mejor de la película son algunas de sus secuencias, que son capaces de atemorizar a cualquier espectador que se atreva con la película. A la ya comentada secuencia inicial se le unen otras de puro terror, como una que acontece en la ducha de nuestra protagonista, en la que vemos como es amenazada por un miembro de la secta (secuencia que antecederá a la de Psicosis, también en la ducha), la escena en la que vemos a la secta de los paladianos tratando de forzar al suicidio a la hermana de la protagonista, o el brutal cierre de la película.

[1] Edmund G. Bansak, Fearing The Dark: The Val Lewton Career, Ed. Macfarland, North Carolina 1995

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Dracula (1979)

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Dracula (Drácula, 1979) es otras de las múltiples adaptaciones hechas para la gran pantalla que la obra de Bram Stoker ha gozado. Aunque lo cierto es que el guión de W.D. Richter no adapta directamente la obra original de Bram Stoker, sino que se basa en una de las múltiples obras de teatro que siguieron la novela (hemos de recordar que Dracula ha tenido un enorme éxito en los tablados, tanto británicos como norteamericanos).

En este caso, la película sigue la versión de Hamilton Deane y JohnL. Balderston, que implica unos cuantos cambios. Por ejemplo, en la película no observamos el viaje de Harker a Transilvania (episodio que casi siempre ha sido adaptado cuando se trata este mito) sino que nuestro conde Dracula se desplaza directamente hacía Londres, en un viaje en barco que recuerda al de la novela. De esta manera el filme agiliza de manera bastante inteligente su acción, dándole un mayor dinamismo a la trama. Las diferencias entre la novela no quedan solamente ahí, sino que la película seguirá introduciendo algunos cambios más.

Hay que decir que la película presenta una historia curiosa en cuanto a su fotografía. En la versión comercial que se sacó en DVD, la película sufrió una variación respecto a la versión estrenada originalmente, y que afectó a su color. Lo cierto es que la versión en DVD utiliza de manera muy inteligente su fotografía, dándole una personalidad muy clara. Si tenemos en mente que la primera película que marcó el destino del vampiro fue de origen alemán, la realidad de esta adaptación es que John Badham, el director, se inspira claramente en la tradición artística británica para configurar su película.

Y es que se puede hablar largo y tendido acerca de la estética que emplea el filme, una de las mayores bazas de la película. Badham conecta con las novelas góticas, territorio totalmente abonado en el territorio de la pérfida Albión. Secuencias en las que vemos el castillo de nuestro conde Dracula lleno de telarañas (recordemos el castillo de Otranto de Horace Walpole), el barco del principio saqueado por el tremendo oleaje y detalles macabros que crean un ambiente de pesadilla, como el manicomio donde transcurre gran parte de la acción, o el vampirizado personaje de Mary, que configura una de las imágenes más terribles de la película.

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Así pues, el filme no se acerca al terror fácil que estaba asolando las taquillas en Estados Unidos. Dracula de John Badham es una película de ritmo pausado y que no tiene como único interés el puro entretenimiento. Hay una refinación de su estilo, que se sitúa por encima de las ansias de sangre. A pesar del instinto asesino del conde Dracula, nunca pierde su aureola de gentleman británico.

La ya comentada fotografía ayuda a crear una estética muy particular. La firma Gilbert Taylor, y está repleta de colores terrosos y apagados, que crean una sensación monocromática. Otra vez la película vuelve a ligarse con el gótico inglés. La fotografía crea una atmósfera fría, que realiza a propósito un arte desangelado. Una pátina de desolación que se une a la perfección con la desalmada importancia del Conde Dracula. Un pesimismo que envuelve a todos los protagonistas de la película.

También hay un cambio importante respecto a la novela. Si en la obra original de Bram Stoker, Dracula era un ser decrépito y terrorífico, en nuestra película es en realidad un tipo con un atractivo interesante. Interpretado por Frank Langella, quien realiza una magnífica interpretación, hay una interesante corriente en nuestro protagonista, y es que Badham le dota de un inapelable magnetismo sexual.

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En la sociedad puritana en la que está ambientada la historia, aún resultan más sorprendentes los efectos secundarios de la vampirización que produce su mordisco. A las dos protagonistas féminas que contamina Dracula convirtiéndolas en vampiras, en ambas su sexualidad queda descontrolada. Si antes parecían mantener las formas y comportarse adecuadamente en público, con el nuevo estatus se convierten también en unos seres ávidos de sexo y que mantienen unas posturas animales y pasionales.

Por lo demás, el Dracula de Badham adolece de ser un filme demasiado plano en algunos aspectos. La trama evoluciona sin demasiados sobresaltos, y no hay ninguna sorpresa en el desarrollo. Con un poco más de trasfondo, Badham habría rodado una película notable, pero el filme desgraciadamente se queda a medio camino.

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La Legión Invencible (1949)

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Es casi imposible de entender como el mismo director que muestra una tremenda sensibilidad en The Man who shot Liberty Valance (El Hombre que mató a Liberty Valance, 1960) dirigió She wore a yellow ribbon (La legión invencible, 1949), película tremendamente irregular, que parece rodada con el piloto automático.

Capítulo aparte merece la ideología de la película. La Legión invencible es una oda patriótica que no conduce a ningún lado. La película nos presenta el ejército norteamericano, en concreto un escuadrón de caballería. En cada momento Ford nos muestra este escuadrón, realizando siempre un homenaje militar a las tropas, disfrutando del ambiente que plantea el filme. Los uniformes, las constantes llamadas de trompeta..Ford se recrea en esta atmósfera marcial, que pone el listón el ejército estadounidense en los más grandes altares. Para muestra el final de la película, cuando la voz en off ennoblece las gestas militares a las que hemos asistido durante el metraje (aún más deshonroso si tenemos en cuenta que se han enfrentado a un ejército mucho peor pertrechado; también podríamos hablar de las cantidades de soldados que el film manipula en relación al episodio Custer que parece citado).

Sin embargo, el mensaje no se queda ahí. La película realiza una culpabilización total del enemigo, las diversas tribus de Indios. Con sólo saber un poco de historia nos daremos cuenta de la ranciedad de tan semejante conclusión. Pero no es sólo el hecho de que los indios aparezcan como el enemigo de los Estados Unidos, sino que lo que es peor, nunca vemos ningún rastro de humanización en ellos. Son los malos del filme porque tienen que serlo, y sólo en ocasiones contadas los vemos dialogar con los personajes blancos de la película.

Es cierto que el cine de John Ford siempre rezuma de estas características, y que en más de una ocasión el director ensalza las virtudes y la camaradería del ejército norteamericano. Sin embargo, esta vez no hay ninguna virtud que pueda completar el resto de la película.

La Legión invencible nos presenta al comandante del escuadrón de caballería, interpretado por el incombustible John Wayne, uno de los intérpretes fetiches de John Ford. Acompañado de él tenemos a un personaje secundario interpretado por Victor McLagen, que realiza el típico papel de borracho simpático, tan habitual en el cine western. La película, como es costumbre en el género, camufla su alcoholismo con una pátina de buenrollismo, algo bastante execrable y sin embargo habitual en este tipo de películas.

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Ambos personajes tiene cercana la jubilación dentro del ejército, pero reciben unas últimas órdenes antes de jubilarse. Y es que los indios, después de la derrota del general George Custer, están más inquietos que nunca, y nuestro jefe tendrá que poner orden en el territorio. Vale mencionar que la caracterización del personaje de John Wayne como un personaje casi llegado a la ancianidad está bastante conseguida.

A esta trama principal en la que observamos el viaje del ejército por los diferentes desiertos del país se le une una trama amorosa que resulta realmente insufrible. Resulta que a la travesía principal se le une una mujer, interpretada por la bella Joanne Dru, quien tiene a dos pretendientes dentro del ejército. Durante toda la película seremos testigos de esta lucha de los dos solados por conseguir el amor de su amada, en una trama que realmente no despierta ningún interés.

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Por lo demás, la legión invencible es una repetitiva colección de secuencias donde vemos a los caballos del ejército desde todos los ángulos posibles. De aquí para allá y de un lado a otro, pero realmente la película parece no tener ningún rumbo.

Lo único rescatable de La Legión invencible es su maravillosa fotografía, que firma el especialista Winton H. Hoch. Realizada en color, no en vano consiguió el Oscar en este apartado (una decisión merecida). La película explota en tonos naturalistas las estepas desiertas por donde transcurre el regimiento, mientras que en otras secuencias la película se aparta de esta vena más verista para acercarse a un onirismo sensible. Es buena muestra la escena en la que vemos a nuestro protagonista interpretado por John Wayne acercarse a la tumba de su esposa. A pesar de ser una escena ubicada en las primeras horas de la mañana, la fotografía subraya el dramatismo de la escena con unos tonos rojizos que invaden todo el escenario, creando una secuencia brillante que esta vez si, recuerda al talentoso director que hay detrás de las cámaras.

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Tango y Cash (1989)

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Tango y Cash (Tango and Cash, 1989) es la típica película de acción de finales de los ochenta e inicios de los noventa. Esto es, una pareja de policías que deben unirse para combatir un enemigo común. Una Buddie movie en toda regla, y los protagonistas principales son Sylvester Stallone y Kurt Russell. A pesar del moderado éxito comercial que supuso el filme, la crítica no fue igual de benevolente, y de hecho recibió varias nominaciones a los premios Razzie.

Caso más extraño es el del director de la película, el soviético y después ruso (con la caída de la URSS) Andrei Konchalovsky. El director que inició su carrera en la Rusia Soviética de los años sesenta, se trasladó a los Estados Unidos años más tarde, donde se labraría una interesante carrera. Sin embargo, Tango y Cash supuso un punto de inflexión dentro de su participación en los Estados Unidos. El director tuvo sus diferencias con el gran estudio que produjo el filme, como fue la Warner Brothers. Las decisiones de un autor como Konchalovsky fueron totalmente ninguneadas, y el director ante semejante panorama, decidió volver a una Rusia que empezaba a formarse como estado[1]. De hecho el director fue despedido antes de terminar completamente la película, y su trabajo fue terminado por Albert Magnoli.

Tango y Cash no tiene demasiado que ofrecer al espectador. Historia de acción mil veces vista y sin ninguna inventiva. La historia nos presenta dos populares policías (su nombre aparece en periódicos y todo; este sistema de “fundidos en periódicos” será empleado a lo largo de toda la película) que sufren un complot por parte de un mafioso, que trata de llevarlos a la cárcel.

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El Molde con el que está fabricado el film (realmente fabricado es una palabra que se ajusta a la perfección respecto a la película) es el mismo con el que se construyen  decenas de películas Buddie Movie. Como viene siendo habitual, nuestra pareja de protagonistas es precisamente la más extravagante de todas (su unión parece fruto de la casualidad) y entre ellos habrá la típica relación de colegueo propia de estos filmes. Desunidos en un primer momento, en cuanto tengan que hacer unión para sobrevivir (en la cárcel las verán crudas) forjarán amistad. También es una constante en las Buddie Movies que haya una pareja variada (normalmente es policía de etnia negra con uno blanco) y en nuestro caso también sucede igual. Stallone representa al policía de origen italiano, que viste elegantemente y que tiene unas finas maneras de ejecutar sus acciones. Por su parte, Kurt Russell es el puro americano (sólo le falta vestirse como un cowboy), que a pesar de tener unos métodos mucho menos sutiles y un lenguaje más deslenguado, siempre cumple sus objetivos.

De relleno tenemos los mil y un graciosos comentarios y chistes, que tratan de aligerar la trama. Quizá el único que consigue esbozar una mínima sonrisa es el que alude a Rambo mientras está Stallone en escena, sabiendo que fue él quien interpretó al célebre soldado.

Por lo demás, Tango y Cash es una película repetitiva, donde las escenas de acción y explosiones son constantemente rutinarias. A cada cual más absurda, no hay ningún elemento del argumento que consiga enganchar al espectador. Desde las tópicas secuencias de la cárcel pasamos a una libertad donde todos quieren deshacerse de nuestros protagonistas. Quizá, lo más curioso (sin que esto sea algo positivo per se) del filme resultan ciertas escenas con un contexto homoerótico más que extraño. No sólo por las secuencias de la ducha (como no, en una cárcel) donde casi vemos por completo a Stallone y Russell tal y como vinieron al mundo, sino que durante cierto momento de la película aparecen totalmente travestidos (para poder huir sin ser reconocidos).

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La trama tampoco aguanta una mirada mínimamente escéptica. Es imposible la secuencia en la que se manipula la voz de los dos personajes (prueba que sirve para que sean encarcelados) o el momento en que la trama se ubica en la cárcel, y donde los presos se mueven como Pedro por su casa (atención a cuando rodean a nuestros dos protagonistas). Por no hablar de las explosiones que rebaten cualquier teoría científica.

[1] Harlow Robinson, Russians in Hollywood, Hollywood’s Russians: Biography of and image, Ed. Northeastern University Press, New England, 2007 pp. 261

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