Francisco, Juglar de Dios (1950)

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Roberto Rossellini fue atacado durante mucho tiempo, porque muchos críticos no eran capaces de aceptar que el supuesto iniciador del neorrealismo italiano (hoy en día la mayoría de historiografía está de acuerdo en que el Neorrealismo no nace como una seta en la filmografía italiana, pero eso sería otro tema de discusión) abandonara a este en pos de unas películas que ya no tenían que ver del todo con el neorrealismo. Una de ellas, impass entre Alemania Año cero (1948) y Stromboli, tierra de dios (1950) es Francisco, Juglar de Dios, realizada en el año 1950 y que toma la figura de Francisco de Asís como eje central de la película. Rondollino habla de este alejamiento del neorrealismo y las películas siguientes como la trilogía de la soledad (conformadas por Europa 1951,  Stromboli, tierra de Dios y Te Querré Siempre).

No es casual que Rossellini escogiera a Francisco de Asís como tema principal para su película. El santo de Asís es uno de los más singulares dentro de la historia de la iglesia, precisamente porque se alejó de todas las condiciones de riqueza (y eso que provenía de una familia de una elevada clase social) y ampulosidad en la que vivían muchos de los clérigos del momento. El director italiano se identifica con una figura que representa la espiritualidad más profunda (todos los que hayamos visto la película no podremos dejar de recordar la sentencia de Francisco sobre no apagar al hermano fuego) y que es sinónimo de austeridad. En una profunda crisis como la que provocó la Segunda guerra mundial (en la que en el caso Italiano no sólo se vería inmersa en un conflicto bélico durante esta, sino que además sufriría numerosas consecuencias con posterioridad, que dejarían un clima político totalmente inestable) Rossellini se centra principalmente en la figura de un santo como San Francisco. El mensaje del director italiano parece claro, en una época de malestar tan dura nos presenta la historia de unos Franciscanos que aman al prójimo por encima de todo, tratándolos con una cotidianeidad impropia del cine religioso habitual. Por otra parte aborda la película con muchos toques cómicos (y no tiene reparos en incluir un personaje como el de Juan, más bien corto de luces).

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La historia está precisamente en consonancia formal e ideológica con el personaje que Rossellini retrata. La austeridad de medios e incluso de narración con la que se acomete la película se nota en cada secuencia de esta.

Francisco, Juglar de Dios, es una película que apenas cuenta con una docena de actores, se rueda mayoritariamente en un paisaje rural que podría ser el de cualquier monte italiano, y durante la película a penas vemos un gran desarrollo de medios. Resulta paradigmática la construcción de los franciscanos donde viven y transcurren parte de su vida, que no deja de ser un montón de piedras y un pequeño crucifijo. La cámara se comporta de igual manera que sus personajes, tratando de elaborar el tema con la máxima transparencia posible. Rossellini pretende radiografiar el espíritu franciscano con la inclusión de sus pequeñas parábolas y gestos, que son los que conforman la película. No hay una intención de idealización en la película, como si la puede haber en las decenas de películas religiosas que se estrenaron en el cine de Hollywood (como en muchas de las obras de Cecil B de Mille). Nuestro santo ama la belleza que encuentra en las cosas más pequeñas, como el canto de un pájaro o el de sus compañeros. Además es capaz de sentir la máxima compasión por los seres marginales de la sociedad (el bellísimo episodio del leproso al que San Francisco abraza a manera de compasión) o las crueldades de la época (el asesinato a mano fría de un ladrón por haber robada un puñado de monedas). Desde la propia estética de la película ya se puede apreciar este mensaje de pureza, como es la propia comunidad franciscana, que vive en unas condiciones de pobreza extrema.

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De hecho no hay una narración lineal. La película está divida en diversos fragmentos que tratan acerca de la vida de San Francisco así como la de sus discípulos. Mediante estas secuencias (separadas por un interludio textual que introduce al espectador el tema del siguiente fragmento) se nos cuentan a modo de parábola (como las de Jesús)  los diferentes momentos episódicos, con una clara intención moralizante detrás. En este sentido la película tiene unos claros altibajos, pues si algunos demuestran una sensibilidad sólo propia de un artista, otros resultan más bien flojos. Si hubiéramos de destacar alguno, aparte de los ya citados del leproso o  el ladrón, podríamos coger perfectamente el final de la película, que resume muy bien la esencia tragicómica de la película, mezclada con una formalidad de desnudez que acompaña toda la película.

Kyrios

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