Corazón Salvaje (1990)

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Wild at Heart (Corazón Salvaje, 1990) sigue siendo una película controvertida, aunque ya hayan pasado más de quince años desde su estreno. La película consiguió la Palma de Oro en el festival de Cannes, aunque por otra parte no está considerada de manera unánime por los cinéfilos como la mejor película de David Lynch.

A diferencia de obras posteriores como Lost Highway (Carretera perdida, 1997) o Mulholand Drive (Mulholand Drive, 2001) Corazón Salvaje es una película que no trata de ocular su argumento y en realidad es una película mucho menos hermética que otras obras del director. El guión, escrito por el propio Lynch (como de costumbre) nos muestra una pareja de jóvenes, interpretados respectivamente por Nicolas Cage y Laura Dern, que se profesan una pasión amorosa profunda. Sin embargo, no cuentan con el beneplácito de su familia, en especial de la tiránica madre del personaje de Laura Dern, interpretada por Diane Ladd. Ambos jóvenes decidirán huir en busca de un lugar donde ambos sean libres, y por lo tanto la película adopta el modelo de las Road Movie, siguiendo a la vez nuestros protagonistas y sus perseguidores.

La película se sirve de la exageración para crear a sus personajes. La historia principal es una versión de la pasión amorosa y el Romeo y Julieta pero pasado por el filtro del surrealismo y de la América profunda. Ya desde la primera secuencia en la que Nicolas Cage mata a un hombre en defensa propia podemos comprobar las indicaciones de Lynch respecto a la dirección de actores. El montaje nos muestra siempre las secuencias en las que los actores muestran su faceta más histriónica y exagerada, yendo incluso un paso más allá de la teatralidad.

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Pero además, en la pareja principal de protagonista ya encontramos una construcción de personajes ciertamente paródica. Nicolas Cage interpreta a un personaje que parece sacado del film de Nicholas Ray Rebel Without a cause (Rebelde sin causa, 1955). Vestido siempre con su inconfundible chaqueta hecha con piel de serpiente es sin duda el arquetipo de joven rebelde que hace todo lo posible por proteger a su novia (sintomática la secuencia de la discoteca en la que defiende a su novia de los sobones). El cliché de la juventud, que queda aún más patente por su afición a la música de Elvis. Por su parte, Laura Dern es una joven enamorada, que sólo piensa exclusivamente en su relación. Lynch exagera aún más la pasión de los dos mostrándonos constantes secuencias de sexo, en las que utiliza diversos filtros de color. En realidad la estética de la película recuerda a la de películas semipornográficas como las que habituaba a rodar Russ Meyer. Especialmente en los interiores y en las secuencias nocturnas  podemos comprobar la influencia del cine sucio de serie b.

Corazón Salvaje tiene una vena de saturación en gran parte de sus fotogramas, como viene siendo habitual en el director. Los destellos de Lynch son los que consiguen elevar a la película por encima de la simple extrañeza. La primera secuencia es un buen ejemplo: Primero escuchamos la música de Glenn Miller, in The mood, pero en cuanto la acción hace acto de aparición la música Rock transforma la esencia de la escena. Estas escapadas y salidas de tono son habituales en la película y seguramente tienen su punto de clímax en el momento en el que el personaje de Laura Dern para de repente el coche y sale cabreada por no poder escuchar música en la radio del coche. En Cuanto el personaje de Cage consigue complacerla somos testigos de la música diegética de la radio, una canción rock sin más. La cámara empieza a tomar altura y en el momento clave Lynch cambia la música, pasando a una banda sonora extradiegética y optando esta vez por el clásico compositor Strauss. El espectador comprueba cómo es capaz de cambiar el significado de la escena de un momento a otro. La panorámica que abre el director con el paisaje de fondo es simplemente espectacular.

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Como es habitual en el cine de Lynch, encontramos ciertas imágenes que son intercaladas de manera poco ortodoxa en el montaje, creando así un leimotiv (surreal) que pone de relieve la importancia de dichos elementos. En esta ocasión es el fuego, eje que tiene una importancia capital en el argumento, y que Lynch repite en muchas ocasiones a lo largo de la película.

Son estos detalles los que salvan a una historia que en realidad no da demasiado de sí. El final de la película, a pesar de la magnífica aparición del personaje interpretado por Williem Dafoe (una parodia del sureño con poder y ansías de sexo) es demasiado irregular y avanza en demasiadas ocasiones con el piloto automático. Da la sensación de que Lynch no ha sabido exactamente que contar, o que lo que quería contar era demasiado nimio como para montar una película, que es salvada exclusivamente por los detalles de genialidad que regala el director en ciertos momentos.

 

Kyrios

 

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