Arte para Dummies 8: El Artista en su escala social.

Sobre los artistas corren todo tipo de rumores. Extravagancias, excentricidades, rarezas…parece que cuantas más anécdotas estrafalarias tenga un artista, más fama y reconocimiento merece. Sin embargo, esta concepción del artista como ente prácticamente sobrenatural y alejado por entero del resto de la sociedad es algo realmente novedoso, que empieza a configurarse con lo que denominamos como Renacimiento, que recoge más fuerza con el Romanticismo y que acaba por establecerse definitivamente a lo largo del Siglo XX.

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El Milagro del Pozo (1648) de Alonso Cano. Alonso Cano fue una de las figuras artísticas más controvertidas y fascinantes del Siglo XVII. Tenemos multitud de anécdotas que nos revelan como era su personalidad, que en ocasiones estas nos lo describen como un personaje irascible y violento. El 1724, Antonio Palomino culmina una de las cumbre de la Historiografía cuando publica su Parnaso Español, pintoresco y laureado, donde elabora una de las primeras compilaciones de Biografías sobre artistas españoles. Entre muchas anécdotas que recoge el autor y que nos describen a Alonso Cano como un pendenciero, nos encontramos una que nos refiere al acto final de  su vida. En su lecho de muerte, el artista se negó a recibir la bendición del cura por traerle un crucifijo que en opinión del artista estaba mal tallado. Esta anécdota en realidad está recogida de otras fuentes anteriores que dicen exactamente lo mismo de otros artistas (con lo que resulta evidente que no sucedió con dos casos iguales). La definición de la personalidad como extravagante, es una manera de ensalzar la libertad e individualidad del artista, que tendrá su máxima culminación con Miguel Ángel. Estas anécdotas sobre la personalidad, muchas de ellas puras elucubraciones, siguen de hecho teniendo una continuidad en la actualidad, y es que, ¿Cuántas veces no hemos oído cantidad de fábulas sobre Músicos de Rock o artistas contemporáneos?.

Durante la Baja edad media, los artistas estaban organizados en Gremios. Los Gremios eran formaciones cerradas, a las que el acceso en muchas ocasiones estaba vetado y donde se estipulaban muy concienzudamente todas las reglas económicas. En realidad la palabra artista aún no tenía un significado especialmente relevante, y de hecho las artes principales que hoy concebimos como prácticamente naturales (Arquitectura, escultura y pintura) se encontraban separadas en diversos gremios de distinta naturaleza. Así por ejemplo, el pintor debía una mayor relación con el gremio de la farmacéutica, porque se sostenía que había una relación más importante entre el pintor y otros oficios que aglutinaba este gremio que con los escultores y arquitectos. Los orfebres, debido al contacto que tenían con materiales preciosos tenían una consideración social mayor que el pintor.

Un pintor de la alta edad media no tenía la misma libertad creativa que podría tener un artista de la actualidad. Cuando se le encargaba una obra se le sometía a un estricto contrato en el que generalmente quedaban fijadas de manera muy claras las condiciones, que imponía el mecenas.[1]. El pintor debía sujetarse al contrato, que generalmente le indicaba exhaustivamente el número de figuras y personajes que debían aparecer, así como en muchas ocasiones el color que era necesario emplear. En Pintura y vida cotidiana en el Renacimiento[2], Baxandall pone de relieve la importancia de un material a priori tan simple como el lapislázuli en el condicionamiento del artesano del momento. El lapislázuli es un material que en la Edad Media era muy codiciado, y que los pintores podían utilizar para adornar de azul sus figuras. Al ser un elemento tan caro, en los contratos más costosos se solía hacer una mención punto por punto de las condiciones en los que se debía emplear este material (un mecenas que quería hacer ostentación de su riqueza fijaba muy estrictamente las cantidades de Lapislázuli que debían utilizarse). Por eso se reservaba en muchas ocasiones el Azul a la figura de la Virgen (y no por cuestiones alquímicas, como algún autor ha intentado hacer ver). Y por eso el pintor estaba ya condicionado desde el momento del contrato a pintar ciertas figuras de un color predeterminado. El Grado de libertad era relativo, aunque es evidente que habían convenciones artísticas que sólo el que las ejecutaba era capaz de controlar.

Como decía, con el Renacimiento italiano[3] nos encontramos con una progresiva valoración positiva del artista. Del anonimato de la edad media se pasa a un reconocimiento individual en el que se llegan a verter alabanzas que en algunos casos podrían sonar hoy en día incluso desproporcionadas, pero que servían en su momento como consolidación de un concepto que estaba en total ebullición.  No es casual que sea en estos momentos en que aparezcan las primeras biografías laudatorias sobre artistas. Una de las primeras que podemos citar es la que realizó Antonio Manetti, sobre el arquitecto Filipo Brunelleschi escrita en la década del 1480. El caso más célebre es el del artista Miguel Ángel, quien era para Vasari un artista divino y que al morir dejó el arte huérfano. Literalmente Vasari dice de él:  Mientras espíritus trabajadores y excelentes, ayudados por la luz de artistas tan renombrados como Giotto y sus sucesores se afanaban en dar al mundo prueba de su valor y del talento que el favor de las estrellas y la mezcla armoniosa de los humores les había dado, y mientras deseaban rivalizar con la grandeza de la naturaleza, mediante la excelencia de su arte para llegar lo más cerca posible a ese conocimiento más alto que muchos llaman visión de la verdad, y mientras todos se afanaban en vano, el Soberano del Cielo en Su bondad dirigió amablemente Sus ojos hacia la tierra y viendo la infinita futilidad de todos esos afanes, los más ardientes esfuerzos que resultaban enteramente infructuosos, y la presuntuosa opinión de los hombres que estaban aún más alejados de la verdad que la luz de las tinieblas, decidió liberarnos de tantos errores enviando a la tierra un espíritu que dominaría de manera universal todo arte y toda profesión y que demostraría por sí solo lo que es la perfección en el arte del dibujo[4]. Miguel Ángel fue el paradigma máximo. No es casual la figura que se dibuja de él en la maravillosa película de Carol Reed, The Agony and the Ecstasy (El Tormento y el Éxtasis, 1965), donde Miguel Ángel, interpretado por Chalrton Heston, es capaz de bregarse sin remordimientos con el propio Papá Julio II, el más alto representante del poder en su momento.

Es verdad que el caso de Miguel Ángel es excepcional, y a pesar de que él consiguió la más alta reputación en el escalafón social, muchos de sus coetáneos siguieron trabajando con un estatus de artesano. Por no hablar de zonas geográficas. Si en Italia se originó el primer proceso de emancipación que hemos estado comentando, en otras zonas este proceso fue mucho más lento. Es el caso de España, donde la condición de artista no se liberó del trabajo artesanal y de los gremios hasta siglos más tarde. El caso más conocido de esta lucha de liberación la encontramos en el Greco, un artista que se empapó del mundo cultural de Italia, donde se formó, y de donde trajo todas estas ideas progresistas al reino Hispánico. De hecho es célebre los numerosos pleitos que mantuvo el artista con muchos de los mecenas con quien el Greco no estaba de acuerdo en las tasaciones económicas que se realizaron de sus obras (en aquellos momentos, en la España de la época era habitual que no se decidiera el precio final de la obra hasta que esta estuviera acabada, y eran gente cercana al mecenas los que se encargaban de tasar la obra, con las estafas que este sistema conllevaba. El Greco recurrió en multitud de casos estas tasaciones por no estar de acuerdo con los criterios artístico de los tasadores).

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Alessandro de Medici (1534)- Giorgio Vasari también fue un arquitecto y pintor, aunque su mérito como artista no está a la altura de sus obras escritas.

Un elemento indispensable para formalizar y estabilizar el Status del artista fueron las academias. Con ellas se intentó consolidar un elemento que a la vez de liberador sobre el artista, fuera capaz también de imponer sus condiciones. La primera academia fue la del Disegno, y la fundó el propio Vasari en Florencia en el 1563. Las Academias irán recogiendo un poder cada vez más elevado en los Siglos XVIII y XIX, pero esto lo dejaremos para otra ocasión.

Uno de los trabajos más desmitificadores que demuestran la falsa identificación del artista como un ente aislado de su entorno lo encontramos con Rudolf y Margaret Wittkower, Nacidos Bajo el Signo de Saturno[5]. Con un método exhaustivo, en el que los autores recogen cantidad de artistas sobre los que analizan diversas facetas (Personalidad, lugar de origen, procedencia social) esta investigación sirvió para eliminar gran cantidad de tópicos que se habían vertido sobre la figura del artista.

[1] FERRARI, Enrique Lafuente, Breve Historia de la Pintura Española: Volumen 1, Ed. Akal, Madrid 1987, p. 62

[2] BAXANDALL, Michael, Pintura y Vida en el Renacimiento, Ed. Gustavo Gili, Barcelona 2000

[3] El Renacimiento no nace por arte de magia ni tampoco es un ente aislado. Es muy importante recordarlo, porque siempre que hablamos de Renacimiento lo hacemos de una manera general. Erwin Panofsky lo definió bastante bien en: PANOFSKY, Erwin, Renacimiento y Renacimientos en el arte occidental, Ed. Alianza Editorial, Madrid 2006

[4] Edición consultable: VASARI, Giorgio, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos (Antología), Ed. Tecnos/Alianza Editorial, Madrid 2011. P.367

[5] WITTKOWER, Rudolf y Margot, Nacidos Bajo el Signo de Saturno: Genio y temperamento de los artistas desde la antigüedad hasta la revolución francesa, Ed. Cátedra, Madrid 2004.

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