El hombre anfibio (1962)

Basada en la novela de Aleksander Beliaev, la película человек амфибии (El hombre anfibio, 1962) se convirtió en la película más taquillera de aquel año en la Unión Soviética, consiguiendo reunir a 62 millones de espectadores. En cuanto a terrenos artísticos los logros de la película son más discutibles, y nos encontramos ante uno de aquellos casos que dividió a crítica y público. La película está dirigida por dos directores: Vladimir Chebotarev y Genadi Kasanski. El guión del filme estuvo mucho tiempo guardando polvo en el cine estudio Lenfilm, pero ningún director se atrevía a dirigir el filme por los problemas técnicos que acarreaba el escenario en el que debía transcurrir y precisamente Vladimir Cheboratev tenía experiencia en rodajes submarinos.
La Obra de Beliaev es una obra maestra del género. Publicada en el 1926 la obra supone un punto culmen en la ciencia ficción soviética. Mezclando elementos de otros genios de la ciencia ficción, como es la visión de la Isla del Dr. Moreau de H.G Wells (donde también hay un doctor realizando experimentos científicos y biológicos entre animales) y algunas novelas de Julio Verne, especialmente las que atañen a todo lo submarino, la obra se convierte por méritos propios en una novela capaz de erigir sus propios debates morales, muy relacionados con el contexto social y económico en la que se realizaron.
El guion sigue los principales hechos de la novela, aunque suavizando precisamente lo que es más interesante de la obra original. En Argentina corre el rumor de un diablo marino que aterroriza a los pescadores. Pero resulta que no es un diablo, sino Ixtiander, un hombre medio humano medio pez, que puede vivir en el agua y que ha sido creado por Salvador, un doctor demiurgo. El pescador Pedro Zurita se encontrará con el diablo marino, e intentará quedárselo para su propio beneficio (conseguir perlas) mientras que en ese mismo encontronazo, Ixtiander se prenda de la prometida de Pedro. El lío está montado, en una película que anticipa con muchas décadas la última ganadora de los Oscars, La Forma del agua, por proponer el amor entre dos especies diferentes.
El problema principal de la película es que es una versión edulcorada de la novela, que ya de por sí resultaba totalmente Naive con los ojos de los años sesenta. El cuadrado amoroso, una de las claves de la modernidad de la novela es simplificado en la película (Apenas queda insinuado). Por otra parte, el terror que podría suponer Ixtiander queda en agua de borrajas porque en la película no deja de ser una persona corriente disfrazada con un atuendo especial para el mar. De la novela también se eliminan los experimentos al más estilo Moreau que nos mostraban fusiones entre especies animales (de eso se olvida completamente la película). Está claro que se quería presentar todo de una manera pulcra y limpia, sin intentar ofender al espectador puritano. Tampoco aparece en el filme uno de los pasajes más inteligentes de la novela de Beliaev, como es el final, donde el doctor Salvador expone ante un jurado sus experimentos, y es juzgado. En la novela este pasaje final servía como un debate moral en el que se exponían diversos temas: ¿En base a que leyes una sociedad puede juzgar a un genio? ¿Cómo puede avanzar la ciencia si es limitada por la ley? En vez de todo esto la película opta por un final mucho menos complejo. Todos estos cambios ya fueron criticados por la crítica Soviética del momento.
La película tiene su punto fuerte en la fotografía. Mientras que la trama se decanta como ya hemos visto por el pasteleo más superficial, la fotografía consigue construir un mundo de fantasía que funciona como un auténtico cuento a medias entre la imaginería de Beliaev y los mundos de Verne. Para ello se fundamenta principalmente en un pintorequismo y colorido casi extenuante, especialmente en las escenas de día y en lo que son los exteriores (O por lo menos lo que podríamos diferenciar de la Guardia del doctor Nemo…digo Salvador) pero también tiene soluciones interesantes para la salida de Ixtiander por la noche, en la que vemos todas esas luces de neón que parece indicar un peligro indirecto para nuestro protagonista (como una indicación de los males decadentes del capitalismo, el vicio e incluso alguna insinuación muy leve a la prostitución).

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El francotirador del Voroshilov, 1998

Sólo en los años noventa rusos se podría haber dirigido una película tan deprimente, sucia y destructiva como Ворошилосквй стрелок (El francotirador del Voroshilov, 1998). La película se empareja de manera directa con películas de Balabanov, como la duologia de Brat, firmada cronológicamente en las mismas fechas. En aquellas películas también se retrataba el nuevo ambiente criminal que había surgido tras la crisis económica, pero mientras que las películas de Balabanov tienen una utilización de la música o del humor que en cierta manera aligeran el tono dramático del filme, en esta ocasión nos encontramos con una película que prescinde de todo esto, para convertirse en algo mucho más duro y desesperanzador. Y es que para entender plenamente la película hemos de entender el contexto histórico en el que se ambienta el filme: los años noventa rusos y la desaparición de la URSS. La película está dirigida por Stanislav Goborujin, un director que había tenido una dilatada carrera como cineasta en la URSS.

Si ya en las críticas realizadas a las películas de Balabanov había hecho hincapié en el ambiente económico en el que se encontraba Rusia en aquellos momentos, en la película de Goborujin se muestra una de las consecuencias económicas de dicho desastre, como fue la creación de mafias que se hicieron enormemente populares, a pesar de que realizaban actividades ilegales como tráfico de armas ,venta de drogas o cualquier tropelía que podamos imaginar. Precisamente, los tres violadores del filme están metidos en oscuros negocios.

La película arranca fuerte y con una escena que resultaría impensable en el cine ruso actual, siempre pensando en la pulcritud y en su propia corrección política (que aunque es diferente a la nuestra, existe), como es una violación. El personaje de Katia, interpretada por Anna Sinyakina, pasea tranquilamente por la calle, cuando un grupo de tres chicos jóvenes, a los cuales ella conoce a un par de ellos, le invitan a su casa. Ella, que no teme lo que viene a continuación, acepta de manera risueña. Ahí, la drogan (mientras uno de los personajes echa droga a la bebida, echa una mirada al espectador, en un claro gesto de modernidad cinematográfica y que parece querer hacer cómplice al espectador) y después la violan. Cuando llega a casa, la joven llora desconsoladamente ante el abuelo, El protagonista principal de la película interpretado por Mijaíl Ulianov que se entera de lo sucedido. Aquí la película nos muestra el realismo certero con el que se ha dirigido el filme, porque lo primero que hace el personaje de Ulianov es coger un instrumento cualquiera (parece una pequeña hacha) y sale a la búsqueda de estos violadores. Afortunadamente uno de sus vecinos le ve y lo disuade, diciéndole que es mejor que la policía se ocupe del asunto.

Y entra en juego la policía. La película adopta una visión ambivalente en este momento. Por una parte, la película no crítica al órgano policial, sino que lo elogia, cuando vemos la magnífica (Y brutal) operación policial que realiza el personaje que interpreta, Sergei Garmash, que es el capitán de la policía. Los tres violadores confiesan y parece que todo ha terminado. Pero ahí viene la crítica del cineasta hacia la policía, y es que los tres violadores acaban soltados. Al principio no sabemos porque, pero luego nos enteraremos que uno de los violadores tiene una relación familiar con un alto miembro de la policía. La película es evidente en este sentido y ataca al nuevo establishment. En más de una ocasión veremos esto, cuando por ejemplo más adelante intentan comprar el silencio de la joven con dinero.

Viendo que la justicia no actúa, el abuelo decide tomársela por su propia mano. La película ya recibió en su momento diversas críticas por hacer apología de no seguir los cauces legales. Nuestro abuelo comprará un arma y se dedicará a vengarse.

El personaje de Ulianov es una clara encarnación de la vieja Unión Soviética. Está más que claro y además le película no hace reparos en ocultarlo. Por una parte, es un hombre ya anciano. En algún momento se insinúa que fue a la Gran Guerra patriótica. En numerosas ocasiones el guion de la película nos lo muestra en continua confrontación con los nuevos valores que se estaban imponiendo. Por una parte, la nueva policía queda retratada como corrupta en el momento en el que abandona el caso.

El francotirador del Voroshilov no es sólo una película de rape and revenge. Es una película que utiliza el argumento para describir una sociedad decrépita, que es incapaz de defender a las víctimas. Puede que la solución del filme sea Harrysuciesca, pero nadie mejor que Mijaíl Ulianov para impartir justicia.

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Vertical (1967)

 

Вертикаль (Vertical, 1967) se trata de una de las peliculas más éxitosas de la URSS. En su pais de origen, la pelicula reunió unos 32 millones de espectadores y eso que los dos directores del filme se estrenaban en la gran pantalla. La película está dirigida a medias por dos realizadores, quienes se encargaron del proyecto como una película para obtener su diplomatura universitaria. De hecho, ambos directores, Stanislav Goborujin y Boris Durov seguirían trabajando juntos, y tenemos a ambos en la película soviética más taquillera de la historia, como es Пираты ХХ века (Piratas del siglo XX, 1979).

La película fue rodada en las montañas del Cáucaso a excepción de algunas escenas rodadas en interiores. Como los directores pretendían insuflar a la película un realismo excepcional, los actores principales tuvieron que recibir instrucción real sobre alpinismo, y de hecho pasaron el curso oficial soviético de la época, lo que les calificaba como alpinistas autorizados .


Quizá uno de los puntos más flojos de la película está en el guion, tanto por la historia que relata la película, que es realmente simple, como en el desarrollo de personajes, ciertamente escaso. La historia que se cuenta es realmente simple: Un grupo de alpinistas se dirige hacía el Cáucaso para escalar una montaña. Después de una pequeña escena en un pueblo (que choca por lo pintoresco y que seguramente tiene la mejor escena de la película, como es el discurso del padre georgiano hablando como uno de sus hijos murió precisamente escalando la misma montaña que los protagonistas tienen pensado escalar), los personajes se prepararán para la escalada. Ahí se dividirán en dos grupos, uno que se encargará del campamento base (en una subtrama aburrida que no aporta nada) y otro será el que si escalará la montaña. Todo parece ir bien hasta el momento en que reciben una mala noticia, un ciclón se acerca y hay que cancelar la escalada. Uno de los montañistas recibe la noticia, pero decide no hacer caso y no se la entrega al resto del grupo, con lo que el resultado resulta esperable…Citación obligatoria para la escena en la que dos personajes encuentran la tienda de campaña del alpinista georgiano muerto, una escena bien construida en la que sólo de refilón vemos el cadáver.
Como se puede prever leyendo el argumento del filme, nos encontramos ante una película que no tiene reparo en mostrarnos reiteradas escenas de nuestros alpinistas escalando la montaña, con lo dificultoso que resulta. Seguramente una delicia de escenas para los amantes del alpinismo, pero en ocasiones para el espectador medio la película puede resultar demasiado aburrida. Si que es cierto que la cámara está bien colocada en la mayoría de ellas, y que muchas resultan interesantes, pero nada que no se hubiera visto por aquel entonces.

Lo más meritorio es la utilización de la música para crear intriga. La película se sirve de diversas música, cuando los escaladores realizan la escalada , para darle tensión a las escenas, usando música de cuerda. Pero si de música hablamos, y por algo aún tiene hoy en día cierta fama la película, es por la serie de canciones que canta Vladimir Visostski,y con las que pasaría a la historia de la música soviética como uno de los cantautores más célebres. En la película se cantan cinco canciones del autor, que además tiene un papel principal en la película, pues actúa como uno de los alpinistas principales.
En definitiva, una película que se ve fácil, más si tenemos en cuenta que sólo dura una hora y cuarto, pero que difícilmente dejará un gran poso.

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Piratas del siglo XX (1979)

Пираты ХХ века (Piratas del siglo XX, 1979) puede ser una película que al europeo medio le suene a chino, pero lo cierto es que la película fue el estreno más visto en su país, la Unión Soviética, con más de 87 millones de espectadores (Y eso son las cifras oficiales, algunos apuntan hasta algo más de cien millones). Una cifra que se dice rápido pero que da vértigo. De hecho, se cuenta la anécdota de que muchos cines cambiaron la programación matinal porque eran muchos los niños que hacían campana para asistir a las salas de cines (por cierto la peícula fue especialmente exitosa entre los más jóvenes). Y lo más sorprende de todo es que está película fuera un enorme éxito, cuando entre la cinematografía Soviética nos encontramos numerosas obras maestras y en cambio esta no deja de ser una cinta mediocre siendo generosos. A parte a la crítica Soviética no le hizo tanta gracia la película, que fue criticada por seguir las maneras americanas de hacer cine (¡incluso van en tejanos!). Aunque también hay que señalar que el actor principal, Nikolay Eremenko ganó un premio por su interpretación.
La película no deja de ser un puro entretenimiento, una vía de escape que poco tiene que ver con la URSS. De hecho el filme está considerado como el primero de acción, así como el primero que introduce elementos de Kung Fu y cine oriental. Y como buena cinta de acción de los años ochenta, del argumento es realmente simple: Un barco soviético que navega en mares asiáticos lleva un cargamento de opio,y precisamente por este motivo, será asaltado por unos piratas. Estos no acaban de milagro con la tripulación Soviética, pero les dejan sin barco. A pesar de todo, lo que queda de tripulación Soviética deambula por el mar con una pequeña barca, hasta que encuentran una isla. Isla que sirve a los piratas de antes como refugio, y como es obvio, en el tercio final nos encontramos con la batalla final. Afortunadamente el argumento de la película no introduce propaganda política, lo que hace de la obra una cinta mucho mas universal, a pesar de que las peculiaridades soviéticas son patentes en su forma.
El guión de la película está ligeramente inspirado en hechos reales, y es que el barco soviético Tuapse fue abordado en aguas orientales en el 1954. De esta historia, el guionista Stanislav Goborujin realizó un guión que firmó junto al director, Boris Durov.
El problema principal de Piratas del siglo XX es que está mal dirigida. Se trata de una película que si hubiera sido americana sería un equivalente al cine de Chuck Norris, cierto que con más carisma, pero igual de aburrida en cuánto a desarrollo. De alguna manera se intuye que el director estaba al corriente de lo que se estaba realizando en cuánto al cine de acción se refiere, pero da la impresión de que más que ver todas esas películas, se han oído. Lo que no quita que la película tenga escenas y diálogos de interés. En cuanto a escenas, podríamos escoger las numerosas que tienen como escenario el barco, las inmersiones de rescate o toda la parte final de la película. En realidad todas las recreaciones que vemos son más o menos reales, lo que supuso un enorme desgaste para los actores. De hecho hay anécdotas de rodaje que cuentan que la película casi acaba con la vida de algunos actores.


El filme como vemos tiene unas capacidades excelentes, pero las resoluciones no acaban de ser las mejores. Entre líneas de guión anodinas podemos rescatar algunas realmente brillantes, como por ejemplo la secuencia que mantiene nuestro protagonista con el líder de los piratas (como el dice, siempre hay una alternativa) pero en general sólo encontramos tedio.
Como hecho curioso el karate viene por parte del actor Talgat Nigmatulin, nacido en Kirguizistán y que fue campeón de Karate en Uzbekistán. El actor interpreta a uno de los piratas que asalta el barco, y que emplea el karate como arma.
En definitiva, quizá la película sea más interesante como pieza sociológica que no por sus calidades cinematográficas intrínsecas.

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A Rough Draft (2018)

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Черновик (A Rought Draft, 2017) se trata de una película de nacionalidad rusa de fantasía basada en una novela mítica escrita por Sergey Lukyanenko,y de gran renombre en dicho país (Y que incluye una secuela firmada por el mismo autor). El filme tuvo una acogida muy fría por parte tanto de la crítica como del público. En nuestro país, la película pudo verse en el reciente festival de Sitges de 2018 en la sección Panorama. A título personal sólo puedo compadecerme del publico que asistío a la proyección.

Lo cierto es que como dice el espectador medio ruso, aún no saben rodar ficción. La película sigue la novela anteriormente citada, aunque como no he podido leerla aún dejaremos las comparaciones de lado. Lo que sí se nota es que el filme ha querido abarcar muchísimo y no ha tenido éxito en su empeño, porque se nota que la acción va de un lado para otro dando tumbos.

La obra se inicia con la visión de nuestro protagonista principal, interpretado por Nikita Bolkov quien es resumido en un par de secuencias como un hombre que a pesar de tener un buen trabajo (es un prestigioso arquitecto) acaba de dejarle la novia. Nada destacable a pesar de que este inicio aún no es totalmente desastroso. Pero el primer giro de guión aparece cuando nuestro protagonista llega a casa después del trabajo, y se da cuenta de que su casa está habitada por alguien. Parece que le han suplantado la identidad y una bella mujer rubia ocupa su piso e incluso su mascota. Nadie parece acordarse de él. La película pues parece que en estos momentos vira hacía el thriller, con nuestro personaje visitando todas las personas posibles capaces de reconocerle. Todo será en vano, puesto que definitivamente parece que nuestro personaje no existe.
Hasta aquí la película es más o menos normal, y aunque no sea tampoco nada del otro mundo, por lo menos tiene su interés. Pero de repente todo gira para contarnos una historia absurda que no se sostiene por el mal hacer de la dirección. Resulta que nuestro protagonista es un elegido por una organización fantástica (Más en concreto fue la rubia mala antes citada quien se encargó de elegirlo) que se encarga de dirigir las fronteras entre diversos mundos. Porque sí, existen diversos mundos, que se mueven entre lo que podríamos denominar como universos paralelos, donde por ejemplo tenemos una Universidad paralela donde la URSS nunca fue fundada, otra donde incluso aún sigue en pie…Una idea que si bien en una novela podría funcionar muy bien, en el cine hay que tener cuidado de como llevarlo, para no caer en el ridículo, como es el caso. Por si fuera poco,se nota que el presupuesto es muy bajo y la película no quiere meterse en exceso en la recreación de estos universos paralelos, lo que da una sensación realmente extraña.

Porque es la recreación de los diferentes mundos es bastante patatero. De hecho los creadores del filme ya lo saben y por eso se dedican lo más mínimo posible a estas recreaciones. El digital canta a lo lejos y da cosa sólo de mirar algunos escenarios. Mención especial por lo negativo merece la escena de acción entre el protagonista y una Matrioshka robot que tiene una metralleta incorporada, todo rodado a lo Matrix.

Pero lo peor es que el guión no sabe como avanzar la trama, que se tropieza continuamente en un abrir y cerrar de tramas continuas que no saben por donde tirar. Primero a nuestro protagonista la idea de estar perdiendo su vida le parece obviamente horrible,pero luego cuando ve su nuevo trabajo cambia de opinión en un par de segundos.

Y en definitiva, no hay más de donde rascar de una película que supone un enésimo fracaso en cuánto al cine ruso de ciencia ficción o fantástico se refiere. Si bien la calidad general de la cinematografía de dicho país ha subido en cuanto a los niveles de producción se refieren, los subgéneros como el que nos ocupan siguen muy descuidados.

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Going Vertical (2017)

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¿Cuántas veces hemos visto la típica película de deportes, sobre un equipo perdedor que gracias al esfuerzo consigue todo lo que se propone? Pues bien, si el 99 por ciento de estas películas son americanas, el año pasado dio el pelotazo una que a pesar de ser de producción rusa, Dvizhenie Berx (Going vertical, 2017) parece ser una más de la factoría Hollywood. A pesar de que en España la película ha pasado prácticamente inadvertida, en Rusia ha roto todos los éxitos de taquilla, convirtiéndose en la película que más dinero ha recaudado hasta la fecha (no confundir con número de espectadores).
¿Qué nos encontramos en Going Vertical? Lo predecible. Justo cuando se acaba, nos encontramos con una secuencia postcreditos en la que vemos los diferentes triunfos de la URSS en aquellas Olimpiadas de Berlín del 1972, lo que hace pensar lo que algunos ya habían apuntado, que la película es en realidad una respuesta a las acusaciones de dopaje que se habían vertido sobre el deporte ruso. Y en parte así es (lo que no quita que Rusia tenga todo el derecho a quejarse de no permitirles participar, todos sabemos que el tema de dopaje no es monopolio de un sólo país).
La película está basada en hechos reales, aunque esto habríamos de ponerlo entre comillas, porque se toma numerosas licencias históricas. La mayoría, no son por desconocimiento,sino con tal de hacer la película más interesante al espectador que desconoce el mundo del baloncesto. Por sólo citar unos cuantos errores: En aquel momento los “mates” estaban prohibidos en el Baloncesto olímpico, y sin embargo en la película nos hinchamos a verlos (Y no sólo eso, sino que muchas de la jugadas no corresponden con el baloncesto de aquel tiempo). Tampoco es cierto que los Soviéticos no hubieran derrotado nunca a la selección americana o que nunca antes se hubieran enfrentado combinados soviéticos contra estudiantes.
Pero al grano, la película se centra en el momento en que la Unión Soviética decide cambiar de rumbo en lo que a su selección de baloncesto se refiere, contratando a un nuevo entrenador, que interpreta Vladimir Mashkov, uno de los mejores actores de la actualidad. La selección se plantea el reto más difícil posible, vencer a la todopoderosa selección de Estados Unidos.

De hecho, más interesante que lo que nos cuenta la propia película es el contexto en el que se involucra. Especialmente en la relación que mantiene el filme con el pasado, y con la Unión Soviética, tanto en los temas políticos como deportivos. La película en ese sentido no deja de seguir la doctrina oficial de la Rusia Putiniana actual: Añorar la Unión Soviética y sobre todo la gente de a pie que la formaba,pero no a si sus élites o su modelo. De tal manera que exceptuando el entrenador que interpreta Vladimir Mashkov, el resto de superiores son todos aborrecibles, especialmente unos cuantos personajes de la cúpula Soviética que en ocasiones muestran la propia desconfianza hacía el entrenador.
El guión sigue todos los formalismos y principios de este tipo de películas. La película sabe que no puede dejar de lado los eventos que sucedieron en esa olimpiada, con el atentado terrorista por parte de un grupo palestino, pero no sabe como incluir de manera efectiva estos sucesos en el metraje, y parece más un pegote que otra cosa. Por otra parte, el morbo de ser un enfrentamiento directo entre rusos y americanos se salda con un discreto patriotismo que resulta salvable (No es que tengamos que apartar la vista por la exageración de lo que se relata), a excepción del personaje de la comentarista, personaje hecho claramente para que los tontos no se pierdan y darle una falsa emoción al partido (en realidad molesta enormemente)

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The Geographer drank his globe away 2013

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Географ глобус пропил (The Geographer drank his globe away, 2013) se trata de una curiosísima película rusa dirigida por Aleksander Veledinskiy e interpretada en el rol principal por Konstantin Javiensky. La película tuvo una buena acogida crítica por parte de la crítica rusa, a pesar de que no ha tenido demasiado éxito fuera de sus fronteras.
La película está basada en la novela de Aleksey Ivanov y explora algo que está poco visto dentro de la cinematografía rusa, como es la vida en una ciudad provincial. La gran mayoría de filmes comerciales rusos están ambientadas o en Moscú o en San Petersburgo, donde hay el glamour y viven las estrellas, pero en esta ocasión se explota precisamente lo que es la vida cotidiana en lo que habitualmente los propios rusos llaman “El culo del mundo” haciendo referencia a su propia ciudad. No sólo esto,sino que además la película también explora el tema de las infidelidades dentro de las relaciones matrimoniales o el tema de la crisis económica.
Javiensky interpreta a un hombre con problemas con la bebida que a pesar de tener una familia con hijo incluido no sabe que hacer con su vida. Llega a parar a una ciudad provincial, donde encuentra trabajo como profesor (En la Rusia actual, exceptuando las ciudades más importantes, el trabajo de profesor está muy mal remunerado). A lo largo de la película se irá viendo el desarrollo de la relación entre el personaje y sus alumnos, aunque hay que advertir que la película es “realista” y no esperemos ver como nuestro profesor consigue cambiarles la vida o hacer que sus alumnos consigan inspirarse dejando las malas costumbres a un lado. Como mucho, podríamos decir que el personaje de Javiensky rompe con la monotonía a la que ellos estaban acostumbrados, lo que no es decir poco.

De hecho, la secuencia con la que se abre la película es una buena declaración de intenciones. Vemos a nuestro protagonista en un tren de cercanías o provincial, lo que en ruso se conoce como “Eletrichka”, conocidos popularmente por su atmósfera particularmente turbia. En estas aparece un cantante pidiendo dinero. La canción escogida no puede ser más apropiada, “Soy libre” de Valeri Kipelov, una canción icónica que nos habla sobre los sueños de libertad después de haber sufrido un duro golpe. La canción, que fue especialmente popular tras la caída de la Unión Soviética, se relaciona obviamente con nuestro personaje pero también nos habla de una sociedad que aún ha quedado rezagada por culpa de los problemas económicos. De hecho, lo primero que vemos de nuestro protagonista es como intenta hacerse pasar por sordo con tal de no dar el billete al revisor que se le acerca. Y no es casual, porque uno de las grandes virtudes de la obra es describir, sin caer en la sensibleria barata, esa vida tan poco glamorosa (Y que tantas pocas veces vemos en pantalla) de las ciudades provinciales. Para ello la película se sirve de numerosos recursos, cómo el carácter sardonico del personaje principal o de la relación entre este y los alumnos de la escuela, que nunca sigue los patrones convencionales.
La película es un crescendo que acaba con un tercio final, desde que los alumnos van de excursión con el profesor, que es espectacular. Entonces la película acaba con mucha fuerza, mostrándonos imágenes muy impactantes, tanto por su belleza (como sería las imágenes de rafting y los estudiantes pasándolas canutas) como por lo potente de lo que se explica (La no relación sexual entre el profesor y la estudiante).
Lo que se le puede achacar al filme es que muchos momentos es insulsa y el nudo del filme da la impresión de ser una impasse para llegar hacía el final,que si que es brillante y tiene varias secuencias para la memoria, pero para llegar hasta ellas hay que hacer por momentos varios esfuerzos. La relación entre la esposa y el personaje de Javiensky no está demasiado clara y en ocasiones bordea el ridículo por las reacciones que toman ambos personajes. Las secuencias del personaje principal con los escolares podrían tener más mucha más miga y sin embargo, simplemente “se dejan ver”.

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