Wonder Woman (2017)

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Wonder Woman (Wonder Woman, 2017) se trata del último estreno taquillero sobre una película de superhéroes, sólo que en esta ocasión hay dos factores fundamentales diferenciales. El primero de ellos, es que esta vez ha sido DC quien ha dado la campanada, después de haber realizado películas que aún siendo tremendamente taquilleras, fallaban en conseguir una buena acogida crítica, y el segundo que el protagonista principal de la película es una heroína, y no un héroe. Sobre esta cuestión ya se ha discutido ampliamente, y sinceramente no tiene demasiada historia el asunto. Que una mujer fuera una protagonista de acción en los años ochenta podía ser revolucionario, pero hoy en día es algo prácticamente anecdótico. Más atrevido incluso resulta pensar que reducir un personaje al uso de la fuerza bruta puede considerarse como un paso hacía el ideal feminista. Más allá de ello, me interesa remarcar otro aspecto que ha quedado prácticamente en segundo plano.

Lo que no se puede hacer es enrocarse en el escudo del entretenimiento y negar que el cine, como cualquier arte, tiene siempre un componente político. Y no era muy difícil hacer de Wonder Woman una película veraniega sin más pretensiones, pero hay un trasfondo político más que evidente en la película, que parece haber sido ignorada sistemáticamente por la mayoría de la crítica. En parte, porque la mayoría de esta es directamente anglosajona (y no van a tirar piedras contra su propio tejado) y por otra porque ya tenemos más que asumido que los buenos al fin y al cabo son los que ganan las guerras. Pero lo cierto, es que no puedes tomar el marco de la Primera Guerra Mundial con tanta importancia como lo hace el filme y realizar una caricatura de primer orden. La película está realizada descaradamente para el espectador medio, que desconoce por completo la historia real. Sólo así se puede explicar detalles que hacen sonrojar a cualquiera con un mínimo de entendimiento. El general alemán por ejemplo, es un calco de cualquier villano nazi de tras al cuarto, y es que por mucho que vista con los uniformes de la primera guerra mundial, en realidad subsiste una intención evidente de mostrar a los alemanes como una visión 1.0 del nazismo (atención a la escena de Lunderdoff, convertido por arte de magia en un nazi de la serie B riéndose con la doctora Frankestein después de soltar el gas). ¿Hacen esto a propósito? ¿Hay un odio antialemán entre los productores de Hollywood? En realidad, todo es más sencillo. La iconografía del filme elige el camino fácil, y abusa de los lugares que todo espectador puede reconocer. Sin más. Mucho más atractivo resulta para el espectador ver a alemanes nazis que siempre tienen una presencia estética fascinante en la pantalla.

Más allá de ello, la película se apoya en otros clichés absurdos, caso de la doctora Frankenstein alemana (¿Una parodia del Dr. Mengele?) o del caso del gas alemán (que en la Guerra fue utilizado sin reparos por ambos bandos). La explicación final de Ares no deja de ser una apostilla absurda, porque al fin y al cabo Ares sólo se pone de un bando (sí, es también un oficial británico, pero ni siquiera está personalizado, como si lo está Ludendorff, personaje histórico, además de que a Wonder Woman sólo se les ve cepillarse alemanes). Y una película que muestra un conflicto tan trascendental como la Primera Guerra Mundial como una lucha de bandos entre buenos y malos no puede más que dejar una sensación de estafa, por lo menos en mi caso. Pero incluso yendo más allá de eso, el propio conflicto en general aparece descrito de una simpleza tremenda: El personaje de Gal Gadot avanza mientras contempla una serie de soldados mutilados, exclama que horrror, mientras que el personaje de Chris Pine le responde que por eso están aquí. Y esa es exclusivamente la explicación de las motivaciones. Nos encontramos en una modernidad que alaba como modelo feminista una heroína que se dedica a acribillar sin piedad a personas que son tomadas como monigotes, pero somos incapaces de pedir a un filme, algo, ni siquiera un atisbo, de profundidad. Y no nos podemos escudar en la comercialidad, porque en los años del cine clásico, la comercialidad y la reflexión podían ir perfectamente de la mano.

Más allá de esto, la película deja bastante que desear. La Marvelización de la que ya se ha hablado se confirma en la película. No es que DC hubiera realizado obras maestras, pero podíamos observar como algunos de sus personajes mantenían obvios claroscuros. Algo de lo que carece totalmente el filme, véase cualquiera de los protagonistas principales, pero con especial atención al personaje de Ares, que mantiene uno de los diálogos más estúpidos del filme.

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сестры (2001)

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сестры (Sisters, 2001) se trata de una buena película dirigida por el mítico actor Sergey Bodrov Jr. (por cierto el propio director aparece en la película, aunque en un papel totalmente secundario), quien protagonizó una dupla de películas bajo la dirección de Balabanov, la saga Brat. Precisamente en Sisters nos encontramos con una película que evoca inevitablemente la influencia de aquellas películas. La película supuso además el ascenso como estrella no sólo rusa, sino internacional, de la actriz Oksana Akinshina.

Como decíamos, se nota muchísimo la influencia de брат (Brat, 1997) en la película. Algo evidente, teniendo en cuenta que el director, Sergey Bodrov Jr., fue el protagonista absoluto de dicha película. Bodrov Jr., un mito en Rusia, toma nota de las enseñanzas de Balabanov, director de Brat, haciendo una obra que tomo el mismo ambiente depresivo, justo después de la caída de la Unión Soviética y que utiliza algunas características similares. Sisters podría verse también como una visión femenina de la película de Balabanov (puesto que en esta ocasión los protagonistas principales son femeninos, una pareja de hermanas, justo el contrario que la película en la que interpretaba Bodrov). El guión que lo firma también Bodrov Jr., nos presenta la siguiente trama: Un padre que había estado en la cárcel es de nuevo liberado después de cumplir condena, sin embargo, sus compañeros de cárcel le exigirán que devuelva un dinero que consideran suyo. Como parece que no son capaces de obtener el dinero, irán a por la hija y la hijastra del ex-preso. Estas, protagonistas de la película, a lo largo del metraje tratarán de huir de las garras de los mafiosos. Como vemos un argumento muy propio de su tiempo.

Como ya sucedía en las películas protagonizadas por Sergey Bodrov Jr., el filme es una gran radiografía de la Rusia contemporánea post-Urss. Si las películas del célebre actor se centraban especialmente en las grandes urbes, más en concreto, Moscú, en estas ocasión la obra nos perfila la Rusia más profunda. Cualquiera que haya estado en Rusia podrá corrobar el paisaje que nos delinea el guión en muchas de sus escenas. Las más conseguidas sin duda nos hablan de los “Elektrichka” los trenes de periferia en los que se forman auténticos microcosmos, con los pasajeros y otro tipo de gente que busca vender sus productos para vender, o simples pedigueños que piden dinero. Es con este último grupo con el que nuestros protagonistas pasarán gran parte de la trama. También hay que añadir el elemento de absoluta inseguridad que existía en aquellos tiempos, y que también aparece plasmado en la película, con detalles inteligentes, algunos más obvios (el policía aceptando un soborno) y otros más sutiles (la mujer que en vez de dar dinero a un joven que pide dinero, le da pan y es inmediatamente insultada; además, los insultos como el pronunciado por la niña resultan de una gran ofensa en Rusia).

La película se sustenta en gran medida por la enorme interpretación de la dupla principal. Se ha hablado largo y tendido sobre Oksana Akinshina, una actriz especialmente conocida por la interpretación que realizó en la película sueca, Lilja 4-ever (Lilya forever, 2002). A pesar de ello, Oksana había ya aparecido en esta película, realizando una interpretación magistral. Pero no nos podemos quedar atrás y no citar la compañera de la protagonista, también una joven, Katya Gorina. Es cierto que la segunda no consiguió la misma fama que la primera, pero ambas están realmente compenetradas en la película, como si realmente se trataran de auténticas hermanas. Por una parte, el personaje de Oksana está perfectamente delineada por los propios gestos de la actriz, sin que el guión necesite de muchas palabras podemos contemplar su personalidad: fría, triste, pero también totalmente independiente (su relación con la madre, que la ha dejado de banda, también la ha hecho a la vez hacerse fuerte). La secuencia en la que gana a los hombres disparando a las velas nos da un resumen perfecto del ambiente tétrico que presenta la película.

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Curtain (2015)

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Es difícil hablar de una película como Curtain (Curtain, 2015). Se trata de una pequeña producción independiente de terror, dirigida por Jaron Henrie-McCrea, un cineasta que completa con esta película su segundo largometraje, después de Pervertigo (Pervertigo, 2012; un homenaje más que evidente a Hitchcock). Curtain se trata de una obra típica dentro de estas obras primerizas dentro del género de terror, (las ganas de destacar son notables) pero también contiene alguna que otra imagen que consigue perturbar al espectador, a pesar de las evidentes carencias económicas que resultan tangentes.

El argumento resulta enigmático, y a pesar de su extraña propuesta, el cineasta consigue hacer de una anécdota algo especial. En un prólogo intenso, que es ya una declaración evidente de intenciones, se nos presenta el tema principal del filme: Unas cortinas que parecen guardar el mal en su interior. Sí, no engaña a nadie la película, y es algo bastante evidente el estilo pulp de la misma, que parece en ocasiones parodiar a literatura contemporánea del género. Inevitablemente, viendo el tema de las cortinas, a nuestra mente aparece el prolífico escritor norteamericano Stephen King, quien en muchas de sus novelas es bastante proclive a insuflar en las cosas más cotidianas y fútiles el mal mismo (por poner un ejemplo, podríamos citar su Buick 8, donde un coche era el mismo reflejo del mal; por otra parte, el poster del filme puede también recordarnos a muchas de las portadas del escritor norteamericano). Partiendo pues, de esta anécdota, arranca la película. Danni Smith es la protagonista de la película, una joven de la que inteligentemente el guión nos presenta los datos justos y necesarios: Sabemos que por alguna razón sus padres no la cuidaron, y que fue su tío que se encargó de su educación. También se nos enseña inteligentemente que a pesar de los dotes e inteligencia de la chica, su trabajo no se corresponde con sus ambiciones (trabaja en una ONG llamando y pidiendo dinero a la gente por la calle). Por cosas del destino, la protagonista se muda a un piso donde se hallan las célebre cortinas, y a partir de entonces los fenómenos paranormales se sucederán sin dar respiro. El argumento del filme se centra exclusivamente en dos personajes (un protagonista femenino y uno masculino) algo obvio si tenemos en cuenta la duración de la misma.

La película tiene algunos detalles interesantes. La historia de Curtain es lo suficientemente interesante como para cautivar al espectador, y a pesar de que es cierto que algunos cabos no acaban de quedar bien atados, como es el caso de los personajes de otra dimensión que parecen proteger la dimensión perdida, en líneas generales podemos decir que se consigue algo original, sin llegar a romper del todo con la narración clásica. Es decir, Curtain es una película que tiene algunos elementos ciertamente disonantes, pero sin acabar de convertirse en una bizarrada poco disfrutable por sus excesos. Es más, algunos toques de humor pueden hacer la obra más disfrutable.

Pero la losa del presupuesto se nota en exceso. La película tiene que recurrir a la astucia para poder tapar las carencias económicas. Por este motivo es evidente que hay algunos elementos que chirrían en exceso, como la resolución final (como no tiene el suficiente presupuesto para representar escenas de acción, la película se resuelve en unos minutos finales que no acaban de funcionar del todo como clímax). Por ejemplo, el maquillaje del “monstruo” puede sacar a más de uno de la película, porque canta a la legua que no acaba de cumplir su cometido.

En conclusión, nos encontramos con una película voluntariosa, que puede ser una buena puerta de inicio para un cineasta, y por eso interesante para los más auténticos fanáticos del género de terror, pero seguramente un escollo para neófitos o amantes de lo más convencional. En todo caso, el argumento y la manera de llevar el guión hacen que podamos considerar a McCrea un cineasta a considerar en un futuro.

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война Guerra (2002)

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La Segunda Guerra Chechena (que tuvo su inicio en el año 1999) ha dado películas más que interesantes en la filmografía rusa (totalmente ignoradas en el resto de Europa) y sin duda una de ellas es la que firma Balabanov, Война (Guerra, 2002). La película rodada precisamente en un momento de la guerra terriblemente álgido, con lo que podemos decir que la película narra momentos totalmente coetáneos. No en vano, en los carteles publicitarios de la película se podía leer el siguiente slogan : “Esto no es Brat 2, esto es la guerra”. Directo y al grano (Balabanov fue el director de la dupla Brat).

El argumento de la película es sencillo: Un soldado ruso, interpretado por Aleksey Chadov (quien realizó su primera interpretación como profesional en esta película) nos cuenta a manera de flashback las peripecias que le han sucedido. Raptado por unos bandidos cechenos en mitad del conflicto bélico, se encuentra con una pareja británica, interpretado por Ian Kelly y Ingeborga Dapkunaite , que han sido también secuestrados. Posteriormente los dos hombres serán liberados (el británico a cambio de que consiga el dinero para rescatar a su mujer) y el personaje que interpreta Ian Kelly buscará de nuevo a su mujer de todas las maneras posibles. La película tuvo su origen en unos noticiarios que el propio Balabanov miró por la televisión en el 1998. Ese inicio naturalista de puede comprobar también, tanto en los escenarios donde se rodó la película (algunos en la propia Chechenia) como en el reparto, en el que se incluyen actores chechenos. De hecho, el agujero donde se encierra a los protagonistas es real, y muchos de los actores se negaron en un primer momento a rodar en semejantes condiciones. Todo en búsqueda de un mayor realismo.

Como siempre, la mirada de Balabanov no deja títere con cabeza, y no nos presenta a buenos y a malos (aunque podríamos debatir sobre si el modo de vida que nos presenta de los chechenos es “menos civilizado”-aunque ajustado a la realidad de todos modos) sino que como le espeta al periodista inglés, el protagonista principal, curtido después de dos años de servicio militar, en la guerra hay que disparar primero antes de que te disparen a ti. Una regla tan cruel como obvia para las propias reglas que nos presenta el filme. La película puede resumirse básicamente en la máxima anteriormente comentada, la supervivencia se paga cara en la película, que nos presenta escenas crueles de una forma tan naturalista como la vida misma que se desarrolla apaciblemente en la aldea donde son confinados los protagonistas.

El toque Balabanov también se nota evidentemente en la factura de la película y en la puesta en escena. Como ya sucedía en una de las obras más icónicas del cineasta, como es Брат (Brat, 1998) donde el cineasta nos presentaba una Moscú decadente utilizando escenas de transición con música rock (que evidentemente tienen elemento simbólico). Esta música, instrumental la mayoría de ocasiones, nos simboliza por si sola la propia deshumanización que sufren tanto los protagonistas como los lugares por donde transcurren (la llegada del soldado después de la Guerra). Por otra parte, las secuencias de acción (que se concentran en la segunda mitad del filme) están bien rodadas, y saben mostrar la tensión de la guerra, que puede tener un desenlace fatal en cualquier momento. Pàra ello Balabanov no opta por grandes travellings ni complicadas tomas, pero tampoco muestra una carencia de medios. Sabe colocar la cámara para que la acción sea clara y seamos testigos de lo que está sucediendo en todo momento.

Si hay que poner un pero sería en el personaje de Sergey Bodrov Jr. (uno de los actores más míticos de la Rusia contemporánea, puede que en parte por su extraña muerte). No sólo porque la interpretación del actor es inusualmente mala (no se sabe si por el tono paródico que intenta imprimir o porque simplemente parece encontrarse totalmente descolocado en el papel) sino también porque no aporta demasiado en la trama, más allá de un cameo que le da más “caché” a la cinta.

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Señor, dame paciencia (2017)

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No, así no. No es este el camino para abrir una vía dentro del cine independiente español. Es más obvio que la película, Señor, dame paciencia (Señor, dame paciencia, 2017) bebe de homólogas norteamericanas, donde los referentes más claros son Little Miss Sunshine (Pequeña Miss Sunshine, 2006) o Juno (Juno,2007), pero desafortunadamente, lo que ha hecho el cineasta de Señor, dame paciencia ha sido seleccionar los peores defectos de la ola del cine independiente (utilización de una música ligera que crea intrascendencia en vez de ligereza, personajes que pretenden huir del arquetipo tradicional pero que acaban cayendo en el mismo pero en su versión Freak, intrascendencia revestida de profundidad…) en vez de fijarse en otros aspectos. Se agradece el esfuerzo y la interpretación de Jordi Sánchez, como el padre protagonista, (y poniendo ciertas pegas, como veremos a continuación), pero la voluntad no es suficiente para perdonar el filme que dirige Álvaro Díaz Lorenzo.

El argumento es bastante simple: Una familia debe afrontar el fallecimiento de la madre (interpretada por Verónica Forqué) y para ello deciden entregar las cenizas a su pueblo natal. El padre de familia, quien como ya hemos dicho, está interpretado por Jordi Sánchez, es de ideología conservadora, y se opone profundamente a sus hijos, que le han salido “rana”. Si a esto le añadimos que la película se ambienta en un pueblo de Andalucía, tenemos todos los clichés derivados de la moda de 8 Apellidos Vascos servida en una bandeja de plata.

Empecemos con el personaje que interpreta Jordi Sánchez. Esta claro que el actor es uno de los reclamos más evidentes de la película, y consigue con creces sobrepasar las expectativas, por lo menos en cuanto a interpretación se refiere. Sin embargo, el guión no acompaña en la creación de su personaje (bueno, en general esto sucede con todos y cada uno de los personajes) que no deja de ser un refrito del mismo personaje que tan popular ha hecho el actor, como es el del “rancio” de la serie de tele visión de “La que se Avecina”. Es decir, la película, se dedica a calcar una fórmula de éxito, con un personaje racista, homófobo y por supuesto, del Real Madrid. Un cliché fácil que si bien en la serie podía funcionar, aquí acaba cansando, en parte porque se ve venir, y en parte porque los chistes racistas y homófobos se acaban repitiendo sucesivamente. Y por si fuera poco, el discurso principal de la película es el mismo que el de la serie de televisión, esto es, enfrentarlo con un hijo suyo que es homosexual y que por supuesto, de primeras no es capaz de admitir. Pero para rizar el rizo, sólo hay que decir que precisamente el personaje que interpreta a su hijo homosexual es ni más ni menos que Eduardo Casanova, también conocido por interpretar a un homosexual en la otrora popular serie de televisión, “Aida”. Vamos, que los productores y guionistas, lo que se dice estrujarse el cerebro, no lo hicieron.

Pero todo esto podría haber sido salvado si la película hubiera destilado algo de profundidad, o por lo menos, personalidad, pero se trata de un fracaso de principio a fin. El guión continuamente se choca con la cuestión principal (primero se enfadan, luego se reconcilian, luego se vuelven a enfadar y así sucesivamente) y no sabe como desarrollarla, sino que este queda totalmente atascado. El desarrollo de personajes es un despropósito y se nota la intención de crear personajes cercanos al espectador (por ejemplo, la secuencia en la que graban un mensaje de voz en Whatssap de manera involuntaria) pero los resultados acaban por mostrarnos una retahíla de clichés que no por ser extravagantes consiguen huir de su cáscara. Los personajes están vacíos desde el primero al último. Los diálogos en vez de mostrarnos personajes adultos, parecen reflejar adolescentes en plena edad del pavo.

La música es otra de las piezas que no encajan. El cineasta emplea la banda sonora de una manera reiterativa, sin conseguir darle pausa a los personajes. No hay ningún diálogo asentado, en parte porque continuamente la música nos da la matraca y no deja respirar a las escenas. Un burdo intento de dar a la música el mismo valor que las otras películas independientes anteriormente citadas, pero que no consigue en ningún momento emocionar. Desafortunadamente se respira sobre el filme la influencia de los anuncios de cerveza tan típica de la época del verano en la que se estrena la cinta. Una lástima, porque el reparto ofrecía unas expectativas más altas.

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La balada del soldado (1959)

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Баллада о солдате (La balada del soldado,1959) dirigida por Grigori Chukhrai, se trata de una de las películas más icónicas de la Segunda Guerra Mundial del bando soviético, por la nueva perspectiva que ofreció, desde una posición que abandonaba el heroísmo de la época stalinista, para adentrarse en una visión mucho más intimista. De hecho, aunque se engloba a la obra dentro del género bélico, chirría bastante dicha clasificación, en cuanto todas las historias que nos cuenta la película rehuyen absolutamente de la narración de hechos bélicos, a excepción de unos pocos minutos iniciales. El deshielo se había iniciado hacia cuatro años antes, con la muerte de Stalin y una apertura que bajaba la presión impuesta años antes quedaba patente en todas las artes, incluida el cine.

La película se divide claramente en tres actos más un intenso prólogo. Ya podemos diferenciar al filme de otras películas con una narrativa más tradicional en lo que a contar historias bélicas se refiere. Lo importante en el filme no es el inicio y el final (de hecho, en el magnífico prólogo en el que vemos a la madre del soldado anunciar el no regreso de su hijo en la Guerra, ya se nos cuenta lo que es el desenlace del mismo) sino las tres historias que hay en el camino, y el sentido que cada uno de estos fragmentos ejerce sobre la historia principal.

Por una parte, tenemos la introducción. Se nos presenta la historia de nuestro personaje principal, un soldado soviético de la Segunda Guerra Mundial, que como nos cuenta su madre, falleció durante el conflicto. Después de esto, vemos a nuestro soldado en la que será la única escena de acción que contiene la película y que es a todas luces atípica dentro de lo que es el género bélico. Nuestro protagonista se enfrenta a dos tanques en lo que parece una secuencia sacada de una película cómica (con un plano grúa prácticamente imposible), y donde evidentemente al cineasta le interesa imprimir un tono de surrealismo y de parodia, que seguramente no habría sido posible realizar años antes durante el mandato de Stalin. Después de la hazaña bélica, a nuestro protagonista se le conceden días de permiso para que vaya a ver a su madre, y el eje narrativo de la película consistirá en el viaje que emprende nuestro protagonista hacia su pueblo.

El filme utiliza este recurso narrativo para contar las tres historias (que le sucederán al protagonista durante el viaje). La primera de ellas es la del soldado mutilado, al que parece que la suerte le ha abandonado y que en un primer momento renuncia a encontrar a su mujer de nuevo porque tiene miedo al rechazo. La Balada del soldado es una película que rehuye de las grandes historias y hazañas para centrarse en las historias bélicas más cotidianas. El tacto y la sensibilidad con la que se cuentan las historias es sin duda una de las huellas positivas que diferencian al filme de otras películas bélicas y somos testigos en este primer encontronazo. No es de extrañar que la segunda historia que se nos cuente sea precisamente una anécdota tan anti-heroica como real y cotidiana. En esta segunda historia se nos cuenta lo que sucede en las trincheras cuando el hombre parte a la guerra, y se trata de una historia de infidelidad de la que nuestro protagonista es testigo directo (dirigiéndose a dar saludos de un soldado del frente, se encuentra con que la mujer de este esta con otro, en una sutil secuencia en la que sólo oímos la voz del amante). Otro enfoque poco habitual en este tipo de filmes.

Y la tercera, tiene que ver con nuestro propio soldado, y la relación de afecto que se establece entre él y una polizona que se cuela junto a él en el tren militar, y de la que rápidamente nuestro protagonista queda prendado. Sin duda la historia más intensa de las tres, y que también está ligada con la segunda, en tanto en cuando la polizona en realidad ya tiene a un hombre que le espera. Nuestro protagonista se debate también internamente entre sus instintos más primarios y el deber (él mismo se muere de dolor al ver la infidelidad de la segunda historia, y no quiere en realidad convertirse en lo mismo que ha presenciado). Finalmente, la película opta por un desenlace que más que trágico, podríamos definir como totalmente natural. Seguramente en una película mediocre ambos serían felices y vivirían juntos hasta el final de sus días, pero aquí se busca el realismo antes que la epicidad.

Por comentar, uno de los planos más impresionantes que podemos observar durante el metraje es preparado por el cineasta a fuego lento. Se trata de la escena del tullido, del que no se da nunca la información básica (ha perdido una pierna en la guerra). Se nos presenta su drama, y es evidente que se trata de un tullido de guerra, aunque inteligentemente nunca se nos enseña sus heridas. La rabia y la frustración que nos presenta el personaje es capaz de llegar también al espectador y finalmente, es en un plano poético en el que la cámara capta la invalidez del protagonista, donde se nos muestra la unión final de la pareja, mientras les vemos avanzar, a duras penas, pero juntos finalmente.

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Uchenik (The Student, 2016)

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Uchenik (The Student, 2016; en el idioma original hay un juego de palabras entre Uchenik, que significa estudiante y Muchenik, que significa mártir y que anticipa bastante el tono del filme) se trata de una maravillosa sorpresa que ha tenido bastante éxito de crítica en diversos festivales europeos. Se puede citar por ejemplo el premio a mejor música que obtuvo en el Festival de Cine Europeo. Pero más allá de una película hecha para festivales, The Student es una película crítica que se atreve a poner en tela de juicio ciertos aspectos de la Nueva Rusia que se está construyendo actualmente, después de la caída de la URSS.

Realmente nos encontramos con una película meritoria, que es capaz de profundizar en los problemas de la Rusia contemporánea. Y es que es evidente de que desde cayó la URSS, la religión y el gobierno han ido de la mano, llegando incluso hasta las aulas (debate, que como podemos ver, no es exclusivo de España). Precisamente el filme pone en tela de juicio toda esta relación entre la iglesia y la escuela, de una manera muy inteligente. El guión inclusa llega a poner en competición a la ciencia contra el propio fanatismo.

Pero no sólo por este motivo nos encontramos con una película valiente. Uchenik también se atreve a incluir otros temas indudablemente candentes en Rusia, como es la homosexualidad. La película desarrolla este tema entre la relación que se establece entre el personaje principal, el predicador, y su discípulo. Obviamente, a nuestro discípulo poco le importa la teoría religiosa, sino que realmente está enamorado de su “maestro”. La película muestra inteligentemente esa relación destructiva, con la escena en la que literalmente es apaleado, una secuencia dura a todas luces, y en la que sin embargo sigue demostrando su fidelidad. La mirada, rompiendo estúpidos clichés, está lejos de ser homofóbica, sino más bien presentándonos un personaje lastimoso sobre el que se cierneuna evidente compasión sobre él.

Uno de los aspectos más conseguidos es sin duda la creación de un personaje que resulta tan magnético como odiable. Los discursos religiosos del protagonista principal pondrán contra las cuerdas a la profesora de biología, y es ahí donde la película empezará a variar su tono. De primeras la película entra dentro de lo que sería un marco más o menos real, aún dentro de lo estrafalario, con nuestro protagonista intentando reformar desde su punto de vista religioso lo que él considera incorrecto y obsceno (por ejemplo, el uso de Bikinis en las clases de natación) pero poco a poco la película va adaptando un tono mucho más surrealista que encaja perfectamente con el mensaje que pretende señalarnos el cineasta (así como con el humor negro): La religión como un camino fanático, que tiene su máxima lucha con la propia ciencia. Es una obviedad, pero muy bien llevada (y con un toque cómico de humor negro genial), la escena en la que se debate sobre la propia teoría de la evolución y que evidentemente nos hace recordar los negacionistas de la evolución que pretenden enseñar su absurda doctrina en algunos estados de los USA. El guión de Uchenik quiere señalarnos el peligroso camino que ha emprendido Rusia en los últimos tiempos, y que se ha incrementado con el conflicto en Ucrania.

Pero, también es innegable, como decíamos, citar el cierto magnetismo que provoca el personaje principal, y que quizá tiene sus raíces en la propia confianza que destila el personaje principal. En un diálogo que sostiene con uno de los monjes ortodoxos que trabaja en la escuela impartiendo clases de religión, el propio personaje principal pone de relieve la hipocresía de muchos aspectos de la iglesia (se le echa en cara al monje ortodoxo los lujos y las riquezas innecesarias de la iglesia) y nos demuestra que pese a la locura del personaje, hay un fanatismo ciego, en el que reside el poder del personaje. Un atractivo tan innegable como oscuro, y que nos puede recordar oscuras épocas pasadas…

A todo esto se le adereza una puesta en escena sólida, y un guión que explota muy bien los momentos cómicos, que le dan más empaque al filme y ayudan a neutralizar cualquier atisbo de tono lacrimogéno.

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