Только не они (Tolko ne oni, 2018)

No hay mucho que decir sobre Tolko ne oni. Una película que venía precedida de una campaña de tráileres que ciertamente eran ingeniosos (y que además no eran simplemente un montaje con escenas de la película, sino que eran secuencias hechas expresamente para promocionar el filme), pero ese humor paródico que se podía ver allí ha quedado totalmente relegado en la película.

Hablando rápidamente, el filme es una parodia de los estereotipos y arquetipos de los personajes de comedia más bien rusos que americanos (aunque la idea y el desarrollo sean puramente norteamericanos). Así tenemos a la rubia tonta (este personaje sí que es universal), al pijo, al psicópata, al tipo duro, al pringado empollón…Es decir, Tolko ne oni es una evidente parodia de todo el cine pop al que ya hemos visto. Y la premisa prometía, porque además se enlazaba con un género que es muy poco habitual en el cine ruso, como es el fantástico. Porque esta serie de protagonistas debe hacer frente a lo que parece un extraño apocalipsis. Sin embargo, la película no funciona absolutamente en ningún momento.

Así pues, aunque Tolko ne oni sea una rara avis dentro del cine comercial ruso (pues las comedias rusas al igual que en España básicamente giran sólo sobre temática social) lo cierto es que es un fracaso, y no sólo a nivel artístico sino que también lo ha sido a nivel comercial. Ya solo el inicio del filme es horrible, con una presentación de personajes catastróficos, donde se acaban conociendo por un Deus Ex Machina que da mucha vergüenza ajena. Tampoco el filme da ninguna explicación sobre el tema del apocalipsis, al contrario, se va líando de una manera terrible sin que el espectador pueda entender absolutamente nada (Primero parece que estén en un bucle temporal, luego se pasa a una película de monstruos con bruja malvada incluida)….Un sinsentido de guión que además fracasa tanto en su desarrollo como en el momento clave de una comedia como es el de hacer reír.

Es evidente que se ha querido hacer una película “trash” pero para ello hay que ser mucho más listo de lo que lo es este filme. Paradójicamente sólo se salvaría un diseño de producción que es ciertamente bueno, y que da la sensación en todo momento de que el cine comercial ruso está avanzando en la buena dirección en estos últimos años. Pero evidentemente, a una película no la salvan los efectos especiales, y mucho menos una película “trash

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Contact (прикосновение, 1992)

Прикосновение_1992

Contact (прикосновение, 1992) es una película realmente extraña. Única e irrepetible. El terror en Rusia ya había tenido algunos antecedentes, pero que siempre seguían modelos literarios. Sin embargo en esta ocasión nos encontramos con una historia original, y que está ubicada en un momento muy concreto, como son los años noventa rusos, pero que a la vez es atemporal.

El filme recoge perfectamente esa atmósfera depresiva de los años noventa rusos, donde la vida había bajado a unos niveles paupérrimos, después de que la URSS se desintegrara. La vida ya no tenía aparentemente sentido, y ese es precisamente uno de los leimotivs de la pelicula : La vida es una enfermedad, y los muertos están mejor que los vivos. Por eso como decía anteriormente, hay que tener muy en cuenta el momento histórico en que se hace la película. La película está dirigida por Albert S. Mkrtchyan un cineasta de origen armenio que a pesar de que en España es prácticamente desconocida en Rusia tiene buena fama.

La historia nos presenta a un detective de la policía rusa (Aún por aquel entonces conocida como “milicia”, como se puede leer en los coches de policía), que investiga lo que aparenta ser un suicidio y homicidio. Una mujer ha matado a su hija y se ha suicidado. Ya de primeras el argumento es sorprendente y la escena inicial donde se nos presenta este incidente es espeluznante porque ni anteriormente ni después en el cine ruso se lograría ver tales cotas de turbiedad (literalmente se ve el cadáver de la madre y la hija). Sin embargo, esto no parece un suicidio, sino que nuestro investigador se da cuenta de que hay una trama sobrenatural: El padre de la fallecida pertenece a una especie de fantasma que incita a la gente a suicidarse. Este señor no aparecerá más que en un cuadro, pero su presencia como ente maligno es prácticamente palpable en esa atmósfera depresiva que recrea el cineasta.

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Precisamente esta imagen del padre es un recurso espeluznante que la película emplea a la perfección. Con sólo este retrato y los primeros planos que se nos muestra de él podemos llegar a comprender la maldad de este personaje….¿Aunque realmente es malvado? Su objetivo es reunir a su familia en el más allá, porque según el la vida es literalmente una enfermedad que hay que extirpar. El debate que hay detrás de esto se relaciona directamente con la depresión económica rusa del momento. Sólo entiendo esto podemos valorar a Contact como lo que es, una obra de arte enclavada en un tiempo y espacio muy concreto.

A pesar de que la obra es de baja producción, lo cierto es que precisamente lo que a priori podrían parecer fallos se convierten en virtudes, caso de esa fotografía deprimente y feista. Sólo hay un momento donde la producción podría haberse mejorado, con esa aparición fantasmal que está tan mal hecha que te saca totalmente del filme. Pero se puede perdonar.

De hecho el filme tiene sus propios recursos para generar terror, y quizá la escena más destacable de todas es el momento en que nuestro protagonista va al cementerio para hablar con el “ente” del padre. Las respuestas del padre no se dan literalmente, sino que surgen a través de la megafonía que hay en el propio cementerio.

En definitiva Contact es una película única que merece ser rescatada porque es seguramente una de las cotas del terror ruso.

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Deadly Still (Foto na pamyat, 2017)

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El cine ruso de terror es como Teruel, no existe. O sí existe, pero lo que actualmente se produce es tan insustancial que es complejo incluso hablar de ello. Es el caso de фото на память (Deadly still, 2017) una película tan corta (apenas hora y poco) como absurda.

Algunos críticos han divido el género de terror ruso en tres etapas. Esta película pertenece al tercer período, que se iniciaría sobre el 2006 y que tiene aún su moribunda existencia. Asentado ya el capitalismo en Rusia (aunque con muchas contradicciones) este último período de terror se caracteriza por ser un frío y barato reflejo de los modelos del cine de terror norteamericanos, sin incluir ninguna idiosincrasia propia.

En Deadly Still nos encontramos con una copia barata del conocido popularmente como “Horror teen”. Más en concreto, la película fusila de manera desvergonzada la saga de “Final Destination” (O “Destino final” en español).

El argumento del filme es simplismo. Quizá incluso inexistente. En un prólogo corto y sin sentido se nos presenta en época Soviética una especie de espectáculo mágico donde el ilusionista presenta una cámara cuyas fotografías predicen el futuro. ¿El problema? Qué si la cámara apunta a un ser humano la foto que se revela muestra como morirá este, y además en muy poco tiempo. Una cámara asesina, como suena. En realidad un burdo pretexto para presentarnos una serie de muertes, que además destacan por su poca originalidad.

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Después de este prólogo se nos presenta una serie de personajes jóvenes que no se conocen los unos a los otros y que se dirigen a una casa (la presentación de personajes es ciertamente ridicula). Pero en el lugar tendrán un accidente y buscarán ayuda. Desgraciadamente llegan a una casa donde encuentran la dichosa cámara…

Como decía todo esto no es más que un mero pretexto para que el espectador se recree en las muertes. Al igual que en Destino final. Pero mientras en aquella saga las muertes estaban genialmente bien dirigidas (por lo menos en las dos primeras entregas) aquí no. Aquí todo es impostado y aburrido. No acierta el filme ni siquiera en crear una atmósfera mínimamente interesante.

Quizá sólo tenga un giro final gracioso, pero no lo suficiente para un cine de terror ruso que sigue sin implicarse en los miedos reales de su propia sociedad.

 

 

 

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Cursed seat (Proigrannoe Mesto, 2018)

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La directora de Cursed Seat (Proigrannoe Mesto, 2018) es ni más ni menos que Nadezhda Mijalkova la hija del prestigioso director Nikita Mijalkov y esta es su Ópera prima. Para entender un poco como está el género de terror en Rusia, sólo hay que escuchar una de las entrevistas que le realizaron para promocionar la película en el canal número uno ruso. El entrevistador le preguntó: ¿Cómo siendo hija de un director tan prestigioso hace una película de terror y no una adaptación de Chéjov o Tolstoi? Creo que las palabras hablan por sí mismas.

Cursed Seat forma parte de esta última hornada de terror contemporáneo ruso que sigue copiando los modelos de terror adolescente americano, en especial el género Slasher. Aunque seguramente es una de las mejores películas de este período (lo que tampoco es decir mucho). De todas maneras la película ha sido un auténtico fracaso en taquilla, así que veremos como evoluciona el cine de la “Hijisima”.

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La película arranca ya con dos clarísimas referencias al cine de terror adolescente. Por una parte a Leyenda Urbana, con ese juego que llevan los adolescentes al inicio del filme donde deben contar historias de terror y adivinar si son ciertas o falsas. En esta introducción  uno de los chicos cuenta la historia sobre la que girará la película, una leyenda sobre un cine maldito que guarda un sitio en el que si te sientas mueres en poco tiempo. Los jóvenes se retiran del chico que ha contado la historia, pero poco después de ir al cine, habrá la primera víctima…

A partir de ahí podríamos pensar que la película se va a dedicar a matar adolescentes uno a uno, pero lo cierto es que el guión es bastante extraño en este sentido, porque realmente sólo son dos los adolescentes los que mueren. En realidad, por paradójico que parezca la película explora muy bien la relación de los personajes. Por ejemplo,debe de ser de los pocos Slasher donde la muerte de uno de los protagonistas es realmente un impacto emocional al resto de personajes. Sí es cierto que en algunos momentos la película resulta un tanto confusa y con alguna triquiñuela que no tiene sentido (como por ejemplo el salto de una de la chica, que estúpidamente nos hace pensar que se ha suicidado).

También incluso podemos citar algunos elementos propios del Giallo, con esa pareja de policías totalmente incompetentes (Precisamente la mujer policía es hermana de la propia directora) que siguen pistas estúpidas. E incluso al final, cuando se nos evoca uno de los traumas de uno de los policías (con flashback incluido,algo muy propio del Giallo).

En conclusión, nos encontramos ante una ópera prima que resulta controvertida. Una película que a diferencia de las otras obras de terror  rusas sí que parece demostrar cierta autoría y lo que es más, pasión por el género de terror, mucho más que una simple obra pensada para hacer caja.

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S.S.D (С.С.Д, 2008)

 

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S.S.D (2008) se trata del primer Slasher ruso. Como en muchas otras películas de la tercera ola del terror ruso (2006-actualidad), el director, Vadim Shmelyov es un cineasta que poca relación ha tenido con el género de terror tanto antes como después de realizar el filme. Como la mayoría de películas de terror rusas, fracasó en taquilla, consiguiendo recaudar 820 mil dólares, en contra de un presupuesto que fue de un millón y medio.

Al igual que todas las obras de la tercera ola, la película no deja de ser un copy paste de los arquetipos del terror americano. Pero incluso en esta ocasión podríamos decir que se añaden demasiados elementos del Slasher en la batidora, aunque estos no tengan justificación narrativa.

El guión lo firma el propio director junto a Denis Karishev. Después de un prólogo que evoca a muchos Slasher americanos (donde ya hay las primeras víctimas), se nos presenta lo siguiente: una serie de jóvenes que se presentan a un concurso de televisión al estilo de gran hermano (En ruso su equivalente sería Dom 2). El programa tendrá lugar en un sitio alejado de la mano de Dios, pero claro está, todo es un truco y en realidad nuestro asesino se ha encargado de montar una cacería.

Que no había tradición de Slasher en Rusia se nota, porque el filme parece un reflejo cutre de algo que se ha oído de lejos pero no se sabe como realizar.

A pesar de que sí es cierto que la presentación de personajes es más o menos interesante, pues se presentan a cámara en lo que es una sátira de estos programas televisivos

anteriormente comentados, el espejismo se va diluyendo poco a poco. Una vez caída la primera víctima, el guión no sabe por donde tirar y es incapaz de hacer algo tan sencillo como matar personajes. Por si fuera poco, la trama se ha complicando hasta llegar a unos giros de guión absurdos.

Apenas se puede rescatar algo. No hay una dirección potente, la mitología del asesino es pobre (por más que se note que quieran adornar al personaje con elementos típicos del Slasher como una máscara, en este caso de caballo). Los personajes son pobres y sin carisma, quizá sólo el recurso de la voz del asesino, distorsionada por megafonía y que tortura psicológicamente a los personajes es capaz de aportar algo de tensión.

En definitiva, una obra que es incapaz de adaptar los cánones del Slasher a la propia idiosincrasia rusa en una burda copia sin gracia.

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Aeropuerto en llamas (Ekipazh,1980)

 

 

Экипаж (Aeropuerto en llamas, 1979) se trata de una de las películas soviéticas más taquilleras de la historia del país, incluida dentro de un top diez de películas que más dinero y espectadores cosecharon. De hecho hace poco la película tuvo un Remake, que aunque no está ni de lejos al nivel de esta, merece también un visionado (realizado en el 2016, y dirigida por Nikolay Lebedev; hay que remarcar que la película obvia los debates sociales del original, adaptando sólo el tono más comercial).

Como bien apuntó el crítico soviético S.V Kudriatsev la película fue la primera obra soviética que fijándose en el género de catástrofes tan de boga en el cine americano de aquella época (con películas como el coloso en llamas del 1974) adaptó aquellos códigos cinematográficos a su propia idiosincrasia. La película fue dirigida por Alexander Mitta, quien precisamente se quedó con la idea de rodar una película de catástrofes después de que la adaptación de la novela de Arthur Hailey “Aeropuerto” triunfara en Hollyood.
La película está dividida literalmente en dos partes (seccionadas por un letrero que nos avisa de cuando acaba una y empieza otra) que temáticamente son totalmente diferentes (por lo que la división tiene su sentido) y que más o menos tienen la misma duración (La primera una hora y cuarto mientras que la segunda tiene poco menos de una hora).
La película temáticamente ya tuvo su polémica en el momento del estreno, pues el gran público soviético reaccionó ante lo que la película mostraba. Fue una de las primeras películas soviéticas en mostrar escenas de desnudez, se muestra una mujer que está embarazada y que renuncia a tener marido con quien compartir su hijo, así como una relación que termina en divorcio. Esto es lo que precisamente podemos encontrarnos en la primera parte de la película, que está centrada en la vida de tres pilotos de la compañía Soviética Aeroflot (uno de los orgullos de la era soviética, con quien precisamente los responsables del filme pudieron negociar para poder obtener modelos de aviones para rodar la película).
Más que en aviones, despegues y aterrizajes, en lo que realmente se centra en la película es en mostrarnos los dramas personales de los protagonistas y como la dureza de un trabajo en el que prácticamente no permite hacer una vida familiar normal. Los tres protagonistas son los siguientes: Georgi Djenov interpretando el rol de piloto principal, Anatoly Vasiliev con el rol de segundo piloto y Leonid Filatov como tercer piloto. En el rol femenino tenemos a Aleksandra Yakovleva, quien tendrá una relación sentimental con el tercer piloto, lo que utilizará el director para realizar disertaciones sobre la relación entre hombre y mujer que siguen teniendo mucha importancia en la actualidad.
Como decía, la película alcanza una grandes cotas de cine social y rodada de manera sobria en esta primera parte parece mostrarnos un cierto pesimismo, que no dejaba de ser un reflejo de la libertad que disponían los cineastas de la Unión Soviética en aquellos años. De hecho, este pesimismo tiene una contracara con el final, puesto que una vez consiguen salvar su vida la película muestra un enternecedor final que parece hacernos ver que todo en la vida menos la muerte tiene su solución, de manera catártica.
La segunda parte del filme va directo al cine de catástrofes, cuando el avión aterriza en una isla (no existente) en la que ha estallado un volcán y los turistas deben ser evacuados. En esta segunda parte la película entra de lleno en el género , y a fe que el cineasta sale con notable del examen. La película sabe mantener la tensión en todo momento,y tiene secuencias que pueden competir de cara a cara con sus coetáneas americanas. Sin embargo para la historia quedará su magnífica primera parte.

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El hombre anfibio (1962)

Basada en la novela de Aleksander Beliaev, la película человек амфибии (El hombre anfibio, 1962) se convirtió en la película más taquillera de aquel año en la Unión Soviética, consiguiendo reunir a 62 millones de espectadores. En cuanto a terrenos artísticos los logros de la película son más discutibles, y nos encontramos ante uno de aquellos casos que dividió a crítica y público. La película está dirigida por dos directores: Vladimir Chebotarev y Genadi Kasanski. El guión del filme estuvo mucho tiempo guardando polvo en el cine estudio Lenfilm, pero ningún director se atrevía a dirigir el filme por los problemas técnicos que acarreaba el escenario en el que debía transcurrir y precisamente Vladimir Cheboratev tenía experiencia en rodajes submarinos.
La Obra de Beliaev es una obra maestra del género. Publicada en el 1926 la obra supone un punto culmen en la ciencia ficción soviética. Mezclando elementos de otros genios de la ciencia ficción, como es la visión de la Isla del Dr. Moreau de H.G Wells (donde también hay un doctor realizando experimentos científicos y biológicos entre animales) y algunas novelas de Julio Verne, especialmente las que atañen a todo lo submarino, la obra se convierte por méritos propios en una novela capaz de erigir sus propios debates morales, muy relacionados con el contexto social y económico en la que se realizaron.
El guion sigue los principales hechos de la novela, aunque suavizando precisamente lo que es más interesante de la obra original. En Argentina corre el rumor de un diablo marino que aterroriza a los pescadores. Pero resulta que no es un diablo, sino Ixtiander, un hombre medio humano medio pez, que puede vivir en el agua y que ha sido creado por Salvador, un doctor demiurgo. El pescador Pedro Zurita se encontrará con el diablo marino, e intentará quedárselo para su propio beneficio (conseguir perlas) mientras que en ese mismo encontronazo, Ixtiander se prenda de la prometida de Pedro. El lío está montado, en una película que anticipa con muchas décadas la última ganadora de los Oscars, La Forma del agua, por proponer el amor entre dos especies diferentes.
El problema principal de la película es que es una versión edulcorada de la novela, que ya de por sí resultaba totalmente Naive con los ojos de los años sesenta. El cuadrado amoroso, una de las claves de la modernidad de la novela es simplificado en la película (Apenas queda insinuado). Por otra parte, el terror que podría suponer Ixtiander queda en agua de borrajas porque en la película no deja de ser una persona corriente disfrazada con un atuendo especial para el mar. De la novela también se eliminan los experimentos al más estilo Moreau que nos mostraban fusiones entre especies animales (de eso se olvida completamente la película). Está claro que se quería presentar todo de una manera pulcra y limpia, sin intentar ofender al espectador puritano. Tampoco aparece en el filme uno de los pasajes más inteligentes de la novela de Beliaev, como es el final, donde el doctor Salvador expone ante un jurado sus experimentos, y es juzgado. En la novela este pasaje final servía como un debate moral en el que se exponían diversos temas: ¿En base a que leyes una sociedad puede juzgar a un genio? ¿Cómo puede avanzar la ciencia si es limitada por la ley? En vez de todo esto la película opta por un final mucho menos complejo. Todos estos cambios ya fueron criticados por la crítica Soviética del momento.
La película tiene su punto fuerte en la fotografía. Mientras que la trama se decanta como ya hemos visto por el pasteleo más superficial, la fotografía consigue construir un mundo de fantasía que funciona como un auténtico cuento a medias entre la imaginería de Beliaev y los mundos de Verne. Para ello se fundamenta principalmente en un pintorequismo y colorido casi extenuante, especialmente en las escenas de día y en lo que son los exteriores (O por lo menos lo que podríamos diferenciar de la Guardia del doctor Nemo…digo Salvador) pero también tiene soluciones interesantes para la salida de Ixtiander por la noche, en la que vemos todas esas luces de neón que parece indicar un peligro indirecto para nuestro protagonista (como una indicación de los males decadentes del capitalismo, el vicio e incluso alguna insinuación muy leve a la prostitución).

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