La Noche se mueve (1975)

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Night Moves (La Noche se mueve, 1975) se trata de una película que hay que redescubrir a toda costa. La obra, dirigida por uno de los directores más importantes del cine moderno estadounidense, Arthur Penn (director de la gran Bonnie & Clyde), fue en su momento una película que al igual que otras cintas modernas provenientes del continente europeo (con la Nouvelle Vague francesa a la cabeza, de la que Penn era un buen conocedor) era autoconsciente y en ella encontramos numerosas referencias cinéfilas, para empezar, el propio argumento del filme, que se entronca con otras grandes películas del cine negro. Puede que quizá, como obra general la película pueda tener algún momento irregular, pero hay varias secuencias (precisamente, las de acción o relacionadas más con el género) que hacen que la película merezca como mínimo un visionado.

La película nos presenta a un detective, interpretado por Gene Hackman, quien recibe un encargo por parte de una ricachona, para que busque a la hija de esta (a pesar de que a esta mujer parece importarle más bien poco el paradero de su hija). Antes de arrancar la búsqueda, nuestro detective se dará cuenta de que su mujer le está engañando, algo de lo que se servirá el guión, como veremos más adelante. Por otra parte, el guión sigue el modelo clásico del cine negro, con una gran multitud de pistas que se van acumulando y que nuestro protagonista va continuamente persiguiendo, sin descanso. Aún así, en muchas ocasiones esta sucesión de cúmulos da la impresión de que es una pantalla para contar y tratar algunos temas.

Uno de ellos, está relacionado con el propio matrimonio. Como hemos dicho, el engaño sirve al filme para insertar un debate interesante en torno a la infidelidad. Nuestro protagonista se verá inmerso en una vorágine destructora que parece sofocarse cuando en sus investigaciones se encuentra con el personaje de la hija (interpretada por una jovencísima Melanie Griffith) y sobre todo, el personaje que le acompaña, una mujer madura interpretada por Jennifer Warren quien trata de seducir a nuestro protagonista. La película pues se aprovecha de lo que en primer momento parece una simple película para realizar un retrato más cercano al realismo y sobre todo a una introspección psicológica de los personajes. Aunque es verdad que esto sucede durante una parte concreta del nudo, porque hacía el último cuarto, el filme vuelve otra vez por los senderos del suspense. Además hay algunas secuencias que son bastante atrevidas (el baño desnudo de la chica o los intentos de seducción de las dos mujeres) y que debieron de chocar en su momento, dichas secuencias sirven también para darle una imagen personal, así como retorcer por enésima vez la imagen de la femme fatale.

La Noche se mueve es una película de cine negro, que se engloba dentro del subgénero de detectives. Pero claro, el cine de detectives no estaba, ni mucho menos, en pleno auge en la década de los años setenta, sino más bien en decadencia, por lo menos en cuanto a volumen de producción se refiere). Se había rodado alguna gran película, como Chinatown (Chinatown, 1974; un año antes que la película de Penn) que precisamente es comparable con la Noche se mueve en el sentido que ambas tratan el género con una determinada perspectiva histórica. Nuestro protagonista no parece tener a priori, demasiadas semejanzas con personajes como el mítico Phillip Marlowe interpretado por Humprhey Bogart, pero en realidad podríamos decir que el personaje que interpreta Gene Hackman (que hace una gran interpretación, por otra parte) es una actualización del espíritu del detective de los años cuarenta. En el personaje de Hackman puede verse también ese patetismo y la aureola del fracaso, que tan bien lleva el actor y que a pesar de ser una imagen tan característica, en el filme resulta fresca por la originalidad del tema .

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La película nos demuestra una pericia detrás de las cámaras más que encomiable (unido por supuesto al trabajo de otros especialistas). Soy hay que fijarnos en el clímax final para darnos cuenta de que La Noche se mueve tiene secuencias que puede competir cara a cara contra otras obras maestras del género. El final de la película, con el barco en plena mar y la amenaza del avión (¿un homenaje a con la muerte en los talones?) resultan impactantes. El espectador no puede dejar de preguntarse cómo se rodó dicha escena, porque la complejidad es grande (tanto el momento del choque como el piloto bajo el agua). En el mismo sentido actúa la secuencia del avión y sus vuelos durante el rodaje.

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el único evadido (1957)

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Franz von Werra (1914-1941) fue un piloto alemán de la Lufftwaffe durante la segunda guerra mundial, especialmente conocido hoy en día por ser el único que consiguió escapar del Reino Unido, después de un periplo delirante que le llevó por Canadá, Estados Unidos (como entonces aquel país era neutral, Werra consiguió que no lo enviarán de vuelta al Reino Unido), México, Perú, Bolivia y la propia España, para finalmente regresar a Alemania, donde supuestamente fallecería en un accidente aéreo (aunque nunca se encontró su cadáver). En la década de los años cincuenta, precisamente en el Reino Unido, se produjo una película que dirigió Roy Ward Barker titulada The One thtat got away (El único Evadido, 1957) y que trataba la fuga de este piloto alemán. Es cierto que Roy Ward Barker no pasó de ser un correcto artesano, pero seguramente El único evadido es una de sus mejores películas.

La película arranca con el aterrizaje forzoso del piloto Franz von Werra, que es inmediatamente capturado por los británicos. A partir de ahí, la película se centrará en este personaje y algunos de sus compañeros, también capturados y como estos tratarán de huir del dominio inglés. De hecho, las similitudes de la obra con otra película de temática similar, como es The Great Escape (La Gran Evasión, 1963) son evidentes y habríamos de pensar si la película que dirigió John Sturges no se inspiró en esta obra anterior, por lo menos en algunas secuencias como los planes de huida.

En realidad no hay una estructura fija, sino que el guión se centra en los diversos intentos de huida del piloto alemán, hasta el éxito final. Así tenemos una primera parte que está centrada en territorio inglés, pero que cuenta con dos diferentes intentos de fuga, y una segunda parte ambientada en Canadá, donde finalmente se culmina el plan de escape. El problema es que la película no acaba de estar demasiado cohesionada, sino que se diversifica en los diversos capítulos de huida, lo que le resta mucha fuerza al conjunto del filme. Podría haberse utilizado algún recurso para salvar estas distancias, pero sin embargo esto no sucede y el resultado es que las partes son algo fragmentarias.

Una de las cosas más interesantes del filme la encontramos en el personaje que interpreta Hady Krüger (uno de los actores alemanes más típicos en estos papeles, por tener una fisonomía tan característica y semejante a la de los clichés sobre los alemanes; Krüger quien por cierto, vivió y combatió durante la segunda guerra mundial), quien crea un personaje totalmente magnético. Von Werra es un personaje chulesco, quien destila carisma en cada ocasión, seguramente porque se ríe en la cara de sus capturadores en todo momento, y también por el tesón que le pone a sus intentos de huida (y simpatizamos con él a pesar del bando en el que combate).Por cierto, el personaje que interpreta Krüger tiene muchas similitudes con el mismo que veríamos años más tarde en la Gran evasión, interpretado por Steve Macqueen.  Pongamos por ejemplo el momento en que finge ser un piloto holandés, en esa parte del filme la película brilla intensamente, por adoptar un tono naif que unido al del personaje que interpreta Krüger, consigue captar la atención del espectador. Además los diálogos del personaje alemán, toreando a los servicios secretos de la RAF, tienen en ocasiones, una chispa interesante.

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En realidad, el ambiente histórico no es para nada importante, porque al director le interesa construir una película de entretenimiento y no una obra profunda. El entretenimiento es el objetivo principal, y la verdad es que el guión construye alguna secuencia llena de tensión, especialmente podemos recordar aquella en la que nuestro piloto se dirige mediante tretas a un aeropuerto y por poco casi consigue huir del cautiverio. No hay ninguna pretensión en la película que firma Roy Ward Barker, y pese a estar ambientada en la segunda guerra mundial, el guión podría haber funcionado en otro ambiente que tampoco nos habríamos enterado. En realidad el filme se codea con el género de aventuras, y además sale bastante bien librado del envite en líneas generales. El propio personaje de Krüger ayuda a construir este tono de distensión.

A pesar de ser una producción británica, no encontramos nada especialmente tergiversado u ofensivo contra la opinión alemana. Es verdad que hay algunos detalles, como la personalidad chulesca de Werra, quizá demasiado exagerada, pero no dejan de ser normales dentro del contexto.

En definitiva, El único evadido es una película que utiliza el género histórico sólo como un instrumento y que basa su fuerza en la construcción e interpretación del personaje de Franz von Werra. La ambientación, así como otros aspectos técnicos son correctos, pero al guión le falta un último empuje para convertir la película en una obra mucho más atractiva.

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Paranormal Drive (2016)

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Marshrut postroen (Panormal Drive, 2016; el título traducido es otra muestra de intento de gancho publicitario) se trata de una película de terror dirigida por Oleg Assadulin y producida por la productora rusa Enjoy Movies (una de las más jóvenes del país, fundada tan sólo seis años atrás a la realización de este filme). La película tiene algunos puntos positivos, como la interpretación de los actores (por sorprendente que suene) o incluso alguna situación dramática, pero también abusa de los clichés del género y además la película es en realidad un pastiche de numerosas películas de terror. No debuta en el terror el cineasta, pues ya lo hizo en el 2010 con Fobos (Phobos, 2010).

La película arranca, después de un extraño prólogo, con un claro homenaje a la película de John Carpenter, Christine (Christine, 1980), con los planos de un fantasmagórico coche con una música ochentera de fondo. Un guiño que en realidad es muy disfrutable (el único, de hecho), y que agradecerá todo el aficionado al género, todo sea dicho. Pavel Chinaryov interpreta al padre de una familia que está en absoluta descomposición, por problemas extramaritales que mantuvo con su mujer, interpretada por Vitalya Kornienko. Él decide comprarse un nuevo coche y acompañar a su mujer junto con su hija para realizar un viaje con el que recuperar los maltrechos lazos familiares (aunque en realidad, como veremos más adelante, los tiros iban por otra parte). Sin embargo, pronto empezarán a suceder cosas extrañas, porque parece que el coche está maldito.

Vayamos primero con las cosas positivas. La película, a diferencia de muchas otras del género, trata de dibujar una historia dramática, que además está más o menos conseguida. En parte, porque el guión perfila a los personajes y el conflicto puede observarse durante todo el metraje, llegando prácticamente hasta el final. Cuando mejor funciona la película es cuando el terror es un elemento más en las discusiones sentimentales entre los dos protagonistas, relación cuya tensión irá siempre en crescendo, mediante algunos pequeños giros (por ejemplo, cuando nos enteramos de otra tercera persona mediante una llamada telefónica). También ayuda enormemente que los dos actores principales que llevan el peso del filme cumplen su papel de manera correcta, algo que resulta extraño si tenemos en cuenta otros precedentes de este tipo de películas de Serie B. Ambos actores conectan bastante bien con el personaje que se les pedía.

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Sin embargo, esto no es suficiente para aprobar un filme como Paranormal Drive. Para empezar, porque el filme no es capaz de crear una historia original, sino que simplemente se nutre de fragmentos de otras películas pasadas por la batidora. Por ejemplo, la propia traducción torticera de Paranormal, ya nos puede dar una pista por donde tira la película. Y es que los defectos de las cintas indies de terror de última hornada se pueden ver fácilmente, con algunas secuencias ya demasiado vistas, caso de la secuencia del fantasma de la carretera (cuyo diseño es prácticamente calcado al de otras películas), espíritus que aterrorizan desde espejos y demás ralea protagonizada principalmente por los efectos especiales (no demasiado complejos). Incluso la duración del filme se ajusta a los estándares de este nuevo tipo de películas (no llega ni a la hora y media de metraje).

Pero además, el argumento del filme recuerda a varias películas. Una de ellas es Dead End (Dead End, 2003), como podemos comprobar en la secuencia en la que la familia parece no avanzar por la carretera, sino siempre seguir un recorrido sin fin en bucle. Pero especialmente, Haute Tension (Alta tensión, 2003), con el giro final del guión, donde todo lo que ha visto el espectador cambia, en una táctica que por otra parte también reconocemos sin demasiado esfuerzo. La película sólo funciona con el tono dramático, así como en alguna secuencia de acción, porque cuando empieza con las historias fantasmales, la originalidad brilla por su ausencia.

En aspectos técnicos al filme se le ven demasiado las costuras, en especial con las secuencias en las que el espíritu del coche empieza a hacer de las suyas. La ambientación y las secuencias que transcurren en el bosque si ponen el listón bastante alto, consiguiendo dar miedo al espectador, pero luego la película baja en otros escenarios.

Concluyendo, nos encontramos con una película que podría haber dado más de sí con un guión que no terminara tomando todo por la vía fácil (el final resulta bastante cuestionable) y que tiene tantas virtudes como defectos.

 

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La Bruja (2015)

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The Witch (La Bruja, 2015) se trata de una de las películas revelaciones del año pasado, que llegó a ganar el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance del año pasado. Como indica el título del filme, podemos englobar la película dentro del género de terror, pero hemos de ir con cuidado con esta etiqueta, porque la cinta toca numerosos temas e incluso otros géneros como el drama y el histórico.  La obra, dirigida  y escrita por el director novel Robert Eggers (una de las cosas que más impresiona es que el filme esté dirigido por alguien sin experiencia en la gran pantalla), está claramente inspirada en los hechos históricos reales que tuvieron en Salem (de hecho se cita esta población en la película) a finales del Siglo XVII, cuando aún siendo una colonia británica hubo una ola de histeria religiosa que acabó con varias ejecuciones de personas que fueron acusadas de haber practicado brujería. Más en concreto, la obra también parece estar inspirada en la adaptación de los hechos históricos que realizó en su momento el dramaturgo Arthur Miller (los personajes principales de ambas obras tienen ciertos elementos en común, por ejemplo son personajes que viven alejados de la comunidad y la estructura familiar también es algo parecida)  como parábola de la caza de brujas que se había iniciado durante la administración del senador McArthy y su histeria contra cualquiera que pudiera sonar como comunista.

La Historia de La Bruja, se centra en una familia de colonos ingleses que parecen haber dejado un pueblo de Nueva Inglaterra (siendo condenados por la justicia de este) para haberse instalados en un lugar más lejano,  cerca de un bosque totalmente salvaje y aislados de la civilización. Sin embargo, parece que no acaban de encajar del todo, y por si fuera poco, algo oscuro parece latir en el corazón del bosque. Además, la familia se resiente de la triste pérdida de uno de los hijos, que parece haber desaparecido sin dejar rastro.

La película juega continuamente con los límites del terror. El espectador asocia el género con lo fantástico y espera por consecuencia que la película se dirija efectivamente hacia episodios de brujas reales, como si la magia del cine les permitiera la posibilidad de existir. Sin embargo, a medida que avanza el metraje, el espectador, al igual que el personaje principal de la obra, empezará a dudar de todo lo que se encuentra a su alrededor, incluso de sus propios hijos, llegándolos a encerrar como si fueran monstruos. Es ahí cuando el espectador, llega a entender e incluso justificar acciones contra la brujería, porque al igual que los protagonistas, se ve envuelto en un estado de pánico.El guión juega a la confusión, entre realidad y ficción, y nos deja para el recuerdo  algunas secuencias terroríficas en este sentido, como el simulacro de exorcismo o la madre totalmente ida ofreciendo sus pechos al cuervo (pensando que es su hijo). Quizá la única pega es que al filme no le encaja demasiado bien un final que se decanta por uno de los dos bandos, sino que se debería haber dejado en suspense, porque la secuencia final, convirtiendo la película en un cuento de brujas, resulta en cierto sentido  ridículo.

Pero la película puede verse también como un drama familiar, que queda exacerbado por el puritanismo religioso que profesan algunos miembros de la familia y que hace alusión al contexto histórico del momento. Nos encontramos con una familia destrozada después de la desaparición de uno de los miembros, y que no es capaz de seguir adelante, sino que los miembros empiezan a culparse unos a otros del desastre en el que se ven inmersos. Al igual que en la obra de Arthur Miller, los personajes de la película no son para nada puros y sin mácula (hasta los niños aparecen retratados como algo corrupto) sino que todos tienen sus faltas.

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Técnicamente, La Bruja es una película notable, que sobre sale por encima del género con contundencia. Básicamente, podríamos decir que la película consigue su objetivo principal, que es transmitir la histeria y el miedo que debieron sufrir aquellos colonos que se aventuraron a vivir en territorios totalmente alejados de la civilización e incluso entender como se llegó a semejantes actos de locura. Para ello, el director se sirve de una excelente utilización del sonido, que juega un papel fundamental en el filme. Por una parte el sonido junto con la música es utilizado para junto con la imagen, crear elementos desasosegantes por una parte (por ejemplo, al principio del filme, con un coro que recuerda a los de la película The Shinning, y que resultan descorazonadores) y surrealista por otra (la imagen del huevo). Pero el sonido también es empleado para crear una atmósfera muy determinada. El cineasta sabe cuando emplear la música y cuando es el momento exacto de dejar al filme en silencio absoluto. Pongamos por ejemplo las secuencias que suceden en el interior de la casa: Como subraya el cineasta las conversaciones entre la madre y el padre, que son oídas por los niños, o el aullar del viento golpeando la casa, e incluso los últimos minutos del filme, donde se hace un silencio absoluto. La fotografía del filme es otro punto técnico a favor, que firmada por Jarin Blashcke y que basándose en una gama de colores fríos, consigue ambientar adecuadamente el argumento de la película, tanto en los espacios exteriores como en los interiores (en estos últimos, resulta una delicia ver la reconstrucción histórica de como vivía una familia de la época,  por ejemplo cenando a la luz de las velas en una noche de tormenta).

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La Guerra de Troya (1961)

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La Guerra di Troia (La Guerra de Troya, 1961) se trata de una péplum prototípico, dirigido por Giorgio Ferroni y realizado en la década de los años sesenta (una en la que más número de filmes de este subgénero se produjeron) y con una de las estrellas más comunes del subgénero, el musculoso actor Steve Reeves (que a pesar de que quizá como actor ortodoxo no fuera el mejor, tenía un esplendido cuerpo físico tan exigido en este tipo de filmes) . La película, como muchas otras de su época, contó con varios países en la producción y por ejemplo, fue rodada, como muchos otros péplums, en Yugoeslavia (En Montenegro). La película, como indica el filme, está basada en la guerra de troya y el célebre poema trágico escrito por Homero, La Íliada (aunque como veremos, con variaciones notables). La película tuvo bastante éxito en su momento, llegándose a realizar una secuela, La Legenda di Enea (La Leyenda de Eneas, 1962)[1].

Aunque está basada en el ciclo troyano, la guerra de Troya tiene numerosas licencias que se alejan del mito homérico. Lo más destacable sin duda es el protagonismo absoluto que adquiere el personaje de Eneas en la película. Y no es casual, parece claro que Eneas es el protagonista de la historia por decreto, porque ahí está Steve Reeves interpretando el personaje y era inevitable que la historia girará en torno a él y no al revés. De hecho, hay más de una secuencia en la que parece evidente que se ha escrito exclusivamente para que el actor luzca su potencia física (más en concreto el combate contra Áyax, donde no sabemos porque Eneas va medio desnudo al campamento griego). Esta sobredimensión de Eneas tiene como consecuencia que el personaje de Paris aparezca definido prácticamente como uno de los malos del filme, siempre pendiente de  que la fama de Eneas no supere la suya. En realidad, estas variaciones del mito homérico eran algo habitual en la época (y de hecho, no ha cambiado el panorama en este sentido), que cambiaban el argumento según les convenía. Paris es pues el cobarde, que incluso asesina a sus rivales por la espalda, mientras que Eneas es el héroe popular (la ciudad de Troya se acerca a celebrar las victorias de su caudillo), una diatriba interesante, que aunque el filme trata como el resto de aspectos, de manera superficial, le da salsa al filme.

Empieza pues el filme con la muerte de Héctor, héroe troyano. Después, Príamo (acompañado de Eneas) pide a Aquiles el cuerpo de su hijo, que finalmente es concedido, después de una secuencia de acción que parece incluida sin demasiado sentido. A partir de ahí la película mostrará una trama que se centrará principalmente entre la confrontación entre Paris y Eneas (paradójicamente ambos troyanos). Mientras que Paris es un aristócrata mostrado como el máximo responsable de la guerra de Troya, que además envidia continuamente la fama de Eneas, este es un héroe popular, que constantemente piensa en el bien de sus conciudadanos y que no tiene miedo de enfrentarse a la lucha (inteligentemente la película muestra el arco como una muestra de cobardía, algo que también aparece en la obra de Homero). Ese será uno de los ejes del filme, incluso por delante del enfrentamiento contra los griegos, quienes tendrán un papel importante en el conflicto militar pero poco más (aunque es verdad que el filme introduce una galería de personajes secundarios que están sacados del poema homérico, como Diomedes y Áyax, que en estos tipos de filmes acostumbran a desaparecer).

A diferencia de muchos péplums realizados coetáneamente, La Guerra de Troya es una película que consigue dar una sensación general de solidez. A pesar de que la construcción no se parece demasiado a lo que podría ser una ciudad real del conflicto de Troya, la reconstrucción, al ser totalmente real (y no digital) es como mínimo efectiva. Lo mismo puede decirse del despliegue de hombres que utiliza la película. Mientras en otros filmes contemporáneos las multitudes están construidas mediante sistemas digitales, aquí nos encontramos con una buena marabunta. Puede ser, eso sí, que tanta batalla acabe cansando, y además adolecen de estar rodadas siempre desde el mismo punto de vista, con una cámara totalmente estática.

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El reparto está bastante bien, con el imponente Eneas a la cabeza, pero encontramos un error crucial con el actor que interpreta Aquiles. Y es que Arturo Dominci a pesar de ser un actor solvente, no tiene ningún parecido físico con el héroe. No impresiona y además ya estaba mayor cuando salió en el filme. Compararlo con el propio Eneas resulta cómico, porque viendo a Dominci no se entiende por ningún lado la fama de guerrero de Aquiles,que apenas hace sombra a Eneas.

[1] ESPAÑA, Rafael, La Pantalla Épica, Los Héroes de la Antigüedad vistos por el cine, Ed. T&B, Madrid 2009, p. 200

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The Burrowers (2008)

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The Burrowers (The Burrowers, 2008) se trata de una película que al igual que la reciente Bone Tomahawk (Bone Tomahawk, 2015) mezcla diversos géneros, más en concreto el Western y el terror (una combinación que parece estar de moda). Ambos filmes son producciones de serie B (bien es cierto que Bone Tomahawk contaba con Kurt Russell como vieja gloria en el reparto) Sin embargo, la película que dirige  J.T.Petty no está a la altura de la anteriormente citada.

La película, como decíamos, se ambienta en plena época del salvaje oeste, cuando los conflictos entre los colonos estadounidenses y los indios estaban en su máximo apogeo. En uno de esos escarceos, parece que los indios asesinan y raptan a una familia, con lo que se organiza una expedición variopinta de estadounidenses para el rescate. Pero y a pesar de que se podría encasillar a la película como una road movie, en realidad esta expedición no es más que un pretexto para introducir los numerosos clichés del género, como la expedición, que en realidad es pura carnaza para los monstruos (literalmente) del filme, la sensación de acorralamiento y de ir siendo devorados uno a uno, así como la camaradería típica que surge en relaciones de extrema tensión, y que tantas veces hemos visto en el cine. Pues a poco a poco, los personajes protagonistas se irán dando cuenta de que hay algo más peligroso que los indios en aquellas llanuras.

Hemos mencionado antes Bone Tomahawk, pero también podemos citar otra cinta como Tremors (Temblores, 1990), otra película de terror y con presupuesto también menor, pero esta vez sí, la influencia es notable. Y es que en realidad, la película de T.J Petty sigue muy de cerca el esquema de la película dirigida por Ron Underwood: En ambos filmes los enemigos son no ya sólo físicamente parecidos, sino que utilizan unas mismas tácticas de ataque que aparecen reflejadas en los filmes. Los enemigos de ambas películas recorren el subsuelo de una manera muy similar, incluso comparten algún plano subjetivo que nos pone en la misma visión del monstruo mientras hace de las suyas. Es obvio que tampoco Temblores inventó absolutamente todo  lo que aparece en la película (y de hecho no deja de ser una película menor, sólo destacable por ser un pasarratos disfrutable) pero las consonancias son destacables. Solo que el tono de ambos filmes es completamente diferente. Mientras en Temblores el tono cómico y de parodia está totalmente presente, en The Burrowers (a pesar de que existen ciertos momentos cómicos u otros donde podemos decir que el discurso es más distendido) nos encontramos con un filme que se toma en serio a sí mismo, tratando de dar alguna explicación pseudo mitológica (como tratando de meter una rivalidad antológica entre el estadounidense del salvaje oeste y el monstruo) que no sienta demasiado bien, porque tampoco es una película con un poso demasiado profundo detrás.

La película, pues, es en realidad es bastante simple y a pesar de que el filme pretende darle cierta pretenciosidad, nos encontramos ante una película más del género, sin demasiados sobre saltos. Todo se puede antever viendo los primeros compases y aunque la película es capaz de crear alguna secuencia de tensión (como la lucha final entre el hombre y la bestia, al más puro estilo Predator) como obra, en líneas generales no acaba de convencer.

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Seguramente lo mejor de la película lo encontramos en el personaje que no deja de ser una alusión al mítico George Amstrong Custer (incluso va vestido en el filme de manera muy parecida). No sólo porque aporta un toque de comicidad considerable (aunque con un humor negro y muy cínico) sino porque incluye (aunque sea en parte) un debate ideológico interesante. Y es que sistemáticamente hemos visto como en el género Western siempre se ha mirado al indígena norteamericano como un ser inferior, un ser que sólo cumple su propósito en la película cuando es exterminado por el occidental, gracias en gran medida a su tecnología superior. El argumento de la película cambia un poco esta tendencia, mostrándonos a una copia de Custer absolutamente ida y cruel, lo que contrasta con películas como They died with their boots on (Murieron con las botas puestas, 1942), filme que repetía la historiografía tradicional en la que Custer era mostrado como un héroe. Aún así, los indios también serán carne de cañón en alguna escena, de eso parece que no nos libraremos jamás.

Los efectos especiales cumplen aunque precisamente el filme flojea más en los momentos en los que abusa del digital. A pesar de que las maquetas del monstruo no son en absoluto perfectas (parecen sacado de los años ochenta) funcionan mejor que los efectos digitales. En cuanto a la ambientación cumple y consigue dar la impresión de que está ambientada en el salvaje oeste.

 

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Nieve Ardiente (1974)

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Goryachi Sneg (Nieve Ardiente, 1972) es una película realizada en tiempos de la Unión soviética por el cineasta Gavriil Eguiazarov. La película, rodada, treinta años exactos después de la batalla de Stalingrado, se dedica a conmemorar precisamente ese conflicto. Aunque la película no se centra exactamente en Stalingrado, sino en los alrededores del cerco, lo que por otra parte ha sido siempre un episodio histórico muy olvidado por la historia (y no digamos el cine), la conocida como “operación tormenta de invierno”. El filme está basado en una novela homónima de Yuri Bondarev.

La película, como decíamos, se basa en los episodios históricos que sucedieron en el año de 1942, durante la segunda guerra mundial. Los ejércitos nazis, liderados por Von Paulus, estaban cercando la ciudad de Stalingrado, pero a la vez, ellos mismos, se encontraban cercados. Para liberarlos, el ejército de Von Manstein se dirigió a Stalingrado. El filme relata precisamente la lucha que tuvieron las tropas soviéticas para impedir que Von Manstein y su tropa fueran capaces de conectar con los soldados cercados y así escaparse de lo que finalmente fue una derrota vital.

A pesar de que la película está rodada treinta años después de los hechos que muestra y de que la productora es la propia unión soviética, el filme no es realmente una simple obra de propaganda. De hecho, lo más curioso de todo, es que los alemanes no aparecen descritos como monstruos sanguinarios o por el estilo. Más bien al contrario, inteligentemente el guión del filme evita perfilar al enemigo, y se esconde no personalizándolo. De tal manera que el alemán es siempre un ser etéreo, una máscara, en la película, que a duras penas aparece y si lo hace es siempre de frente y sin rostro. Por otra parte, los discursos políticos también aparecen con cuentagotas (por ejemplo, prácticamente no hay ni uno de los célebres comisarios políticos) y simplemente se proclaman frases prototípicas y extensibles a cualquier guerra. La película pues rehuye de todo eso, incluso de la patriotera más rancia (a pesar de que el inicio asusta en primer momento, pues nos indica que la obra está dedicada a los héroes que dieron la vida en la guerra), para centrarse casi exclusivamente en el conflicto bélico y la descripción de la dura atmósfera en la que debieron vivir aquellos hombres. Una película en definitiva, que puede ver perfectamente un espectador que no sea soviético.

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Ahora bien, la película resulta demasiado insulsa, y a pesar de que es correcta y nunca canta en ningún momento, no hay nada que destaque por encima de otras películas bélicas y el desarrollo argumental resulta rutinario y convencional. No hay un único personaje principal, sino que el filme nos presenta un grupo de soldados (incluyendo una mujer miembro del equipo sanitario, interpretada por Tamara Sidelnikova), que serán los que afrontarán la batalla. Primero, nos encontramos con la presentación de personajes, con secuencias que resultan anodinas por tenerlas ya vistas, como es el caso de los soldados relajándose y bromeando antes de que estalle la tormenta. Sus historias personales apenas son una pantalla con la que el filme puede cohesionar un desarrollo dramático y sobre todo, mostrar los fuegos pirotécnicos.

Después de estos prolegómenos, viene el nudo, que es la batalla y que se convertirá en el eje absoluto de la película. La batalla en sí no está mal rodada, pero se convierte en un ir y venir de cañonazos que acaba saturando al espectador (como ejemplo de esto, tenemos la secuencia en la que el capitán ruso pierde la razón y empieza a bombardear tanques en una secuencia que se hace larguísima).  El Epicismo del filme se vuelve reiterante, pues al fin y al cabo el esquema es exactamente siempre el mismo, tanque que es avistado, tanque que debe ser destruido con la artillería y tampoco ayuda que todo suceda en el mismo terreno. Finalmente el epílogo tiene el objetivo de ir cerrando las tramas, y acabar la epopeya.

Los escenarios históricos y el ambiente general es bastante disfrutable. Podemos destacar como punto positivo la fotografía que firma Fyodor Dobronravov y que se centra en los paisajes para identificarse con los propios sentimientos de los soldados.  La Batalla es en realidad un auténtico despliegue de medios, y es realmente convincente, porque a pesar de que la variedad brilla por su ausencia, si da la impresión de tener a un ejército nazi delante de la cámara (a pesar de que la estrategia militar es un poco absurda, pues los tanques no acostumbraban a ir sin ton ni son hacia el frente, y sin acompañamiento de soldados)

Por cierto, como apunte histórico, a pesar de que la ambientación es más que correcta en líneas generales, nos encontramos con que los tanques nazis (que no son pocos en el filme, pues como decíamos hay un auténtico desfile de ellos) son en realidad T-34 soviéticos modificados.

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